Sasha Cagen tiene novio pero decidió casarse consigo misma para jurarse a sí misma su amor propio.

Conoce la historia de Sasha Cagen, la primera mujer que se casó con ella misma en el Jardín Japonés del barrio de Palermo en Buenos Aires.

Amor propio. Algunos lo llaman “autocasamiento”, otros lo definen como “sologamia”. Una mujer norteamericana decidió jurarse amor para toda la vida a sí misma. Sasha Cagen se dio el “si”, con alianza y testigos incluidos, en el Jardín Japonés de Palermo. Para ella, esto significó un acto de “autovaloración y aceptación” que le permitirá “emprender futuras relaciones”.

“Prometo seguir lo que me apasiona y generar inquietudes. Prometo enamorarme de las imperfecciones al igual que me enamoro de las mías. Prometo verme hermosa y aceptar mi sexualidad”, fueron las palabras de Sasha para finiquitar su juramento de amor eterno a sí misma.

La idea de “casarse con uno mismo” puede parecer muy extraña, más allá del aspecto tradicional. Pese a ello, el movimiento que se ha vuelto muy popular en Gran Bretaña y Estados Unidos, la sologamia, ya llegó a la Argentina, siendo Sasha Cagen la primera novia sin novio.

Originaria de Rhode Island, Estados Unidos, Sasha tiene tres hermanos y es coach ontológica. Fascinada por el tango, en 2014 viajó a Buenos Aires, para sumergirse en el mundo del 4×4. Ya en Argentina inició un proyecto laboral, a través de un taller ontológico de tango que hoy dicta en San Francisco, Estados Unidos, y en la capital porteña. Todo ello a causa de la conexión que descubrió entre esta danza y las relaciones humanas.

Sasha es autora de un libro donde desarrolló la historia de dos mujeres que se auto-casaron en San Francisco, ese trabajo le permitió acercarse a esta particular tendencia amorosa. “Me llamó la atención la decisión de estas mujeres que entrevisté para mi libro, Al principio me causaba cierto rechazo y pensaba que eso no era para mí”, contó la norteamericana.

Sin embargo, al cumplir 40 años, a Sasha le preocupaba no haber encontrado a la persona “ideal” pese a que se encontraba felizmente estable, fue entonces que tomo la decisión de idear su propia boda. “El día que me juré amor eterno, fue una especie de conexión única conmigo misma. A partir de este paso viví la relación amorosa más importante de mi vida”, afirmó.

Sasha confiesa que si bien, tomar esta decisión y realizarla, la ha hecho muy feliz, también fue complicado tener la aceptación de su familia. “No comparto mi historia con mucha gente porque básicamente no la entienden, mi mamá siempre me apoyó mucho pero cuando se lo comenté se puso a reír”, declaró la escritora.

TE PUEDE INTERESAR: Greta Thunberg, la joven de 16 que lucha por el cuidado del medio ambiente
TE PUEDE INTERESAR:
Greta Thunberg, la joven de 16 que lucha por el cuidado del medio ambiente

Finalmente, Sasha aclaró que: “Autocasarse no es rechazar la vida en pareja. Al contrario, pueden convivir perfectamente. De hecho, mi novio se encontraba en California cuando decidí dar este paso. Es una manera de profundizar el compromiso con uno mismo, pasa por la autovaloración”.

Convencida de su decisión de vida, la estadounidense enfatiza este concepto de self wedding: “Hace 5 años que estoy casada conmigo misma y no pienso nunca divorciarme”.

Se iba a casar y descubrió, un día antes, que el novio tenía amante y una hija no reconocida

Paula relató la historia de Lucía en Twitter que causó tanta indignación que se volvió viral.

En su cuenta @Pepepilla cuenta que Lucía a horas que se llevara a cabo la boda descubrió que su futuro esposo tenía una amante y una hija. La pequeña había nacido dos meses antes de que pusieran fecha para la boda.

Y eso no es todo, la amante estaría presente en su casamiento, iba a ser moza en el evento, hasta que descubrió quien era el novio.

La futura esposa descubrió al novio cuando se encontraba junto a su wedding planner, que sin darse cuenta reprodujo en altavoz un mensaje de voz de una moza que iba a ser parte de la boda: “Hola Mariela, quería avisarte que no puedo trabajar mañana porque el novio es el padre de mi hija y me acabo de enterar que soy una pelotuda, una cornuda o la otra, no sé qué titulo me cabe. No me llames ni me metas en quilombos, chau”, le dijo sin más palabras.

Se iba a casar y descubrió un día antes que el novio tenía amante y una hija no reconocida

El día soñado de Lucía se había convertido en una pesadilla y para descargarse se juntó con sus amigas en una casa y debatieron el tema. Sin embargo, todo terminó en un descubrimiento mucho peor. Tanto la madre como la hermana de la futura esposa estaban al tanto de la infidelidad de su novio y estaban seguras de que el hombre tenía una hija. “La madre sabía que el pibe podría ser el padre de una niña de una chica jovencita, pero no estaba segura”, explica Paula en su hilo de Twitter.

Paula junto a otras de las amigas fueron a buscar a la amante, ya que consiguieron su dirección exacta. Al encontrarla, le explicaron lo que pasó y la mujer acepto hablar con Lucía. Ella también había sido engañada.

Paula le aconsejó a su amiga que haga la fiesta, pero que no se case legalmente hasta pensar en frío y tomar una decisión respecto a eso. El último dato que se sabe es que a ningún invitado le cancelaron el evento, por lo que todos estaban yendo al casamiento.

Paula le aconsejó a su amiga que haga la fiesta, pero que no se case legalmente hasta pensar en frío y tomar una decisión respecto a eso. El último dato que se sabe es que a ningún invitado le cancelaron el evento, por lo que todos estaban yendo al casamiento.

La historia que ya alcanzó los 70 mil “Me gusta” y los usuarios le dieron consejos a Lucía, a través de Paula, y contaron hasta experiencias propias.

Instinto sin culpa

INSTINTO DE PUTA SIN CULPA

En algún punto las miradas incrementan, te sientes juzgada y señalada… “Eres una puta”. Eso es lo que eres para la mayoría de las personas, pero no por profesión, sino porque lo que haces no encaja dentro del esquema de mujer.
Si te vistes con ropa ajustada o corta, eres una puta.
Si hablas de sexo, eres una puta.
Si muestras tu desnudez, eres una puta. Si ejerces tu libertad sexual, eres una puta.
Para casi todo ERES UNA PUTA, pero un día decides que las etiquetas no te definen, decides que quieres disfrutar de tu sexualidad y satisfacer tus necesidades con quien te plazca… Sin temor incluso a ser la que da el primer paso.

Y entonces te enfrentas al estereotipo del clásico macho; a aquel que está dispuesto, te escribe, te da juego, ambos se prenden, cogen y después… Después nada… Desaparecen, ya no escriben, dejan en visto o incluso te bloquean.
Como si después de coger automáticamente te convirtieras en el fruto prohibido o en la puta clasificada tachada en su lista de “mujeres por coger”. Lo cortés no quita lo valiente, coger no es sinónimo de intensidad. No porque cojamos quiere decir que buscamos una relación, sí… A las mujeres también nos gusta el sexo sin compromisos, a veces solo queremos pasar el rato sin que eso afecte la comunicación o amistad, sin embargo aquí es todo o nada; o eres la novia, o eres la “puta”. No hay términos medios.
Si no aflojas eres una apretada, y si aflojas eres una puta. ¿Acaso ustedes no hacen cosas “peores”? ¿Acaso no cogen con diferentes mujeres cada semana?

Sigo sin entender esta cultura de desigualdad, en donde las personas no son capaces de vivir y dejar vivir, en donde las personas no son capaces de coger y dejar coger.

Esta sociedad inmadura en donde tener relaciones sexuales se convierte en un tema de control, manipulación y confusión, en vez de una necesidad básica así como comer o dormir, ¿Para qué armar tanto desmadre?

Es sólo sexo, háganlo seguro y relájense un chingo.

Desde mi punto de vista ser llamada “puta” ya no es una ofensa, sino un halago. (Continúa abajo 👇🏻) 📸: @asdrubaal_ ✨

Ver esta publicación en Instagram

INSTINTO DE PUTA SIN CULPA En algún punto las miradas incrementan, te sientes juzgada y señalada… “Eres una puta”. Eso es lo que eres para la mayoría de las personas, pero no por profesión, sino porque lo que haces no encaja dentro del esquema de mujer. Si te vistes con ropa ajustada o corta, eres una puta. Si hablas de sexo, eres una puta. Si muestras tu desnudez, eres una puta. Si ejerces tu libertad sexual, eres una puta. Para casi todo ERES UNA PUTA, pero un día decides que las etiquetas no te definen, decides que quieres disfrutar de tu sexualidad y satisfacer tus necesidades con quien te plazca… Sin temor incluso a ser la que da el primer paso. Y entonces te enfrentas al estereotipo del clásico macho; a aquel que está dispuesto, te escribe, te da juego, ambos se prenden, cogen y después… Después nada… Desaparecen, ya no escriben, dejan en visto o incluso te bloquean. Como si después de coger automáticamente te convirtieras en el fruto prohibido o en la puta clasificada tachada en su lista de “mujeres por coger”. Lo cortés no quita lo valiente, coger no es sinónimo de intensidad. No porque cojamos quiere decir que buscamos una relación, sí… A las mujeres también nos gusta el sexo sin compromisos, a veces solo queremos pasar el rato sin que eso afecte la comunicación o amistad, sin embargo aquí es todo o nada; o eres la novia, o eres la “puta”. No hay términos medios. Si no aflojas eres una apretada, y si aflojas eres una puta. ¿Acaso ustedes no hacen cosas “peores”? ¿Acaso no cogen con diferentes mujeres cada semana? Sigo sin entender esta cultura de desigualdad, en donde las personas no son capaces de vivir y dejar vivir, en donde las personas no son capaces de coger y dejar coger. Esta sociedad inmadura en donde tener relaciones sexuales se convierte en un tema de control, manipulación y confusión, en vez de una necesidad básica así como comer o dormir, ¿Para qué armar tanto desmadre? Es sólo sexo, háganlo seguro y relájense un chingo. Desde mi punto de vista ser llamada “puta” ya no es una ofensa, sino un halago. (Continúa abajo 👇🏻) 📸: @asdrubaal_ ✨

Una publicación compartida de Are Rojas (Insomnia) (@soyarerojas) el

“Moda y poder: los cuerpos indómitos” x Victoria Lescano

Ciclo de Letras 2019 – CSM

TALLER DE MAYO

Un recorrido histórico por el abordaje del cuerpo y la construcción de siluetas y artificios urdidos por diseñadores clásicos y contemporáneos.

1. Los cuerpos liberados de la opresión de corsé por Poiret; el corte al bies practicado por Vionnet; los artificios corporales forjados por Cristóbal Balenciaga; y las siluetas ceñidas por Dior, denominadas “New Look”

2. El cuerpo punk según Vivienne Westwood; la aproximación a los cuerpos acorazados y las máscaras del belga Walt van Beirendonck; las faldas para hombre y los corsés cónicos de Jean-Paul Gaultier; los indumentos de Rei Kawakubo que emularon malformaciones y borraron las siluetas. Los artificios de Mc Queen y de Thom Browne.

3. Prendas que exhibieron el cuerpo y revolucionaron las siluetas: Bikinis y bañadores, las minifaldas de Quant y de Courrèges, los diseños de Rudi Gerneich.

4. Un recorrido por las siluetas sin distinción de género predicados por Bowie, desde Ziggy Stardust a los diseños de actuales diseños de Palomo Spain.

Cantidad de clases: 4
Duración de cada clase: 2 horas.
Miércoles 8, 15, 22 y 29 de mayo, a las 19.
$ 800 (el curso completo)
Preinscripción aquí
El Cultural San Martín (Sarmiento 1551, CABA)

Victoria Lescano es periodista especializada en moda. Es autora de los libros Letras Hilvanadas. Cómo se visten los personajes de la literatura argentina (Mardulce, 2014), Prêt a Ròcker, Moda y Rock en la Argentina (Planeta, 2010), Followers of fashion, falso diccionario de la moda (Interzona, 2004, con ilustraciones del diseñador Pablo Ramírez). Sus artículos sobre historia de la moda y estilos se publicaron tanto en el diario Clarín como en las revistas La Maga, Página 30, Wipe, Rolling Stone, Elle, Viva, Bacanal, Harper´s Bazaar, Inrockuptibles, los suplementos culturales Radar, ADN y Perfil Cultura y la publicación académica Zone Moda Journal que edita la Universidad de Bologna.
Como curadora de moda y en el contexto del ciclo “Malba Moda” del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, realizó Estilos latinoamericanos (2004) -diálogos en pasarela del diseñador brasileño Alexandre Herchcovitch y los argentinos Kelo Romero y Araceli Pourcel. En 2005 realizó la investigación y búsquedas de trajes para una retrospectiva de Rosa Bailón, la creadora de la mítica tienda de la galería del Este “Mme Frou-Frou”, y la investigación periodística para el corto Vestidos Súper Bizcocho para el ciclo “Malba Moda en Progresión”, curado por la experta Ana Torrejón.
También en Malba Moda y junto a la periodista Felisa Pinto ideó Identidad Criolla (2006), una retrospectiva de los trajes en barracán de la diseñadora argentina Mary Tapia y una muestra con versiones libres del vestuario folk realizadas por algunos de los diseñadores más representativos de los comienzos de la moda de autor en Buenos Aires.

Cáncer de mama hereditario.

La realidad acerca del cáncer de mama hereditario.

Buenos Aires, Abril de 2019. – En las mujeres, el cáncer de mama es ampliamente el cáncer más frecuente y la principal causa de muerte por esta enfermedad, tanto en los países desarrollados como en desarrollo. En Argentina, representa el 17 % de todos los tumores malignos y casi un tercio de los cánceres femeninos, cifras que posicionan al país entre aquellos con tasa de incidencia media-alta. En todo el mundo, el cáncer de mama es una prioridad para la salud pública y la detección precoz representa la estrategia clave para disminuir su morbilidad y mortalidad.

El Dr. Ricardo Rojas, director Médico de Diagnóstico Rojas, médico especialista en diagnóstico por imágenes, sub especializado en diagnóstico e intervencionismo mamario, destaca: “Los exámenes genéticos se encuentran en plena expansión en la clínica médica, pero las principales medidas preventivas del cáncer de mama continúan siendo los hábitos de vida saludables y los controles mamarios periódicos. El cáncer de mama hereditario o asociado con genes predisponentes representa aproximadamente el 10 % de todos los cánceres de mama, la gran mayoría de los casos son esporádicos y posiblemente asociados con múltiples factores medioambientales. Por otra parte, la identificación de genes de alto riesgo en los familiares puede promover exámenes más frecuentes de detección temprana como la mamografía, la ecografía mamaria y la resonancia magnética”.

Mientras que el 90 % a 95 % de los casos ocurren esporádicamente, aproximadamente hasta un 10 % se consideran hereditarios, es decir, que se presenta con antecedentes familiares y se asocian con alguna mutación genética que confiere mayor predisposición al cáncer. La asociación del cáncer de mama “familiar” con los genes BRCA (BReast CAncer gene) 1 y 2, en la década de 1990, proporcionó la base científica para las pruebas de detección en pacientes afectados y en sus familiares no afectados. Por tratarse de mutaciones en la línea germinal, las mutaciones en BRCA1 y BRCA2 no sólo aumentan el riesgo de cáncer de mama, sino también de ovario, páncreas, colon y melanoma, y los varones con BRCA2 mutado presentan riesgo elevado de cáncer de próstata.

En la población general, el riesgo de cáncer de mama es aproximadamente 12 % a lo largo de la vida; en contraste, las mujeres con mutaciones en BRCA1 o BRCA2 presentan riesgo de 72 % y 44 % de desarrollar cáncer de mama u ovario, respectivamente, hacia los 80 años de edad. Quienes ya han presentado cáncer de mama poseen mayor riesgo de desarrollar enfermedad contralateral y pronóstico más desfavorable.

La identificación de genes que confieren susceptibilidad para el Cáncer de Mama está en continuo avance. Los genes BRCA1 y BRCA2 dan cuenta de la mayoría de las mutaciones estudiadas, pero también hay otros genes que se asocian con una alta predisposición al cáncer (PALB2, PTEN, TP53, CDH1, STK11) o predisposición moderada (CHEK2, ATM, BARD1). Los avances tecnológicos permiten actualmente disponer de pruebas para múltiples genes, que pueden analizarse simultáneamente, con menor costo y en menos tiempo. Los paneles de múltiples genes están siendo adoptados de manera creciente en la práctica clínica para identificar aquellos individuos con riesgo elevado de cáncer de mama hereditario. Sin embargo, así como se detectan genes mejor estudiados, con alta penetrancia, se identifican también otros para los cuales el riesgo de cáncer está menos definido. La mayoría de las mutaciones adicionales corresponden a genes con riesgo moderado, lo cual requiere la interpretación sumamente cautelosa de los resultados. El significado de muchas variantes es un desafío, debido a que no se conocen completamente las consecuencias de las alteraciones genéticas y su relación con factores epigenéticos.

Diversas sociedades internacionales, incluyendo al Centers for Disease Control (CDC), han recomendado identificar las pacientes con alto riesgo genético y se encuentran en desarrollo lineamientos para solicitar las pruebas genéticas en base a la edad de la paciente o sus antecedentes familiares. Las pruebas genéticas deben solicitarse en el marco del consejo genético. Sin dudas, el asesoramiento genético se ha tornado crecientemente complejo y ha surgido una cantidad de necesidades psicosociales insatisfechas para muchas pacientes y sus familiares.

Si se considera que sólo un pequeño porcentaje de los cánceres de mama se asocian con factores hereditarios/genéticos, es fundamental abordar el rol del medioambiente. Entre los factores responsables del elevado riesgo de este cáncer se incluyen cambios negativos en el estilo de vida, tales como aumento del consumo de alcohol, alimentación con alto contenido de carbohidratos refinados y grasas saturadas y bajo contenido de ácidos grasos poliinsaturados, fibras y vitaminas, escasa actividad física y exceso de peso.

Existen medidas preventivas al alcance de todas las personas, con múltiples beneficios para la salud. Dichas medidas se basan en adoptar un estilo de vida saludable, para ayudar a reducir el riesgo de desarrollar la enfermedad. Se aconseja: mantener un peso corporal saludable, ejercitarse regularmente, limitar el consumo de alcohol, no fumar (o dejar el hábito tabáquico) y mantener una dieta abundante en frutas, vegetales, legumbres, preferir las carnes blancas antes que las carnes rojas y reducir la ingesta de azúcares y grasas no saludables.

Autor: Dr. Ricardo Rojas- Director Médico de Diagnóstico Rojas

*Fuentes

Acerca de Diagnóstico Rojas

Fundada por el científico e investigador Dr. Roberto Rojas, Diagnóstico Rojas es una Institución especializada en diagnóstico mamario. Sus esfuerzos siempre han priorizado la investigación y prevención del cáncer de mama.

Con más de 35 años de trayectoria, Diagnóstico Rojas es líder en Argentina por la calidad y la precisión de sus diagnósticos. Siempre a la vanguardia de las nuevas tecnologías y precursor en el uso de metodologías innovadoras en diagnóstico, Diagnóstico Rojas ha consolidado el conocimiento para destacar la prevención como solución y herramienta indispensable para una mejor calidad de vida.

El equipo médico a cargo del Dr. Ricardo Rojas desarrolla un programa de aseguramiento de calidad en todas las instancias de sus prácticas médicas, con el objetivo de maximizar la certeza en los diagnósticos.

Diagnóstico Rojas tiene 2 sedes, una en Martínez, Prov. de Bs. As., y otra en el barrio de Recoleta, en C.A.B.A.

• Sede Recoleta: Laprida 1810, C.A.B.A.

• Sede Martínez: Ladislao Martínez 275, Martínez, Prov. de Bs. As.

• Central de Turnos: (011) 4849 6300

• Turnos on line www.diagnosticorojas.com.ar

• Turnos WhatsApp: 11 6889-7000 (de 8 a 20 hs.)

• Mail: consultas@diagnosticorojas.com.ar

Información corporativa de Diagnóstico Rojas: Lic. Daniela Segade – Responsable de Marketing.

daniela.segade@diagnosticorojas.com.ar

Tel/Fax: 4849-6300 Int. 3117

Mobile: +54 9 11 5491 8081

Minifalda nueva ola

Por Flavia Tomaello, https://flaviatomaello.blog/, Instagram @flavia.tomaello

Mary Quant llegó al museo V&A en Londres. La primera retorspectiva se extenderá hata el 16 de febrero del próximo año y es co-curada por Jenny Lister y Stephanie Wood.

Inventiva, con opiniones y mentalidad comercial, Mary Quant fue la diseñadora de moda más icónica de los años sesenta. Pionera en el diseño y la venta al por menor, popularizó los dobladillos superaltos y otras apariencias irreverentes que fueron fundamentales para el desarrollo de la escena ‘Swinging Sixties’. Nuestras colecciones de moda incluyen ejemplos de sus famosos diseños de los años sesenta y setenta.
Mary Quant nació y se crió en Blackheath, Londres, hija de dos maestros de escuela galeses. Tras la negativa de sus padres a dejarla asistir a un curso de moda, Quant estudió ilustración en Goldsmiths, donde conoció a su futuro esposo, el aristócrata Alexander Plunket Greene. Se graduó en 1953 con un diploma en educación artística, y comenzó un aprendizaje en un ingeniero de alto nivel, Erik de Brook Street. En 1955, Plunket Greene compró Markham House en King’s Road en Chelsea, Londres, un área frecuentada por el ‘Chelsea Set’, un grupo de jóvenes artistas, directores de cine y miembros de la sociedad interesados ​​en explorar nuevas formas de vida y vestirse. Quant, Plunket Greene y un amigo, el abogado convertido en fotógrafo Archie McNair, abrieron un restaurante (el de Alexander) en el sótano del nuevo edificio y una boutique llamada Bazaar en la planta baja. Las diferentes fortalezas de cada socio contribuyeron a su éxito a largo plazo; Mientras trabajaban juntos en todos los aspectos: Quant se concentró en el diseño, Plunket Greene tenía las habilidades empresariales y de marketing, y McNair aportó el sentido legal y comercial a la marca.
Quant inicialmente surtió la tienda con prendas que podría adquirir en el mercado mayorista, aprovechando la oportunidad para ofrecer una nueva versión del estilo de las mujeres. Pero pronto se frustró con la ropa disponible. Alentada por el éxito de lo que Quant describió como un par de pijamas “locos” que había diseñado para la apertura de Bazaar (el diseño que aparece en la revista Harper’s Bazaar y que luego fue comprado por un fabricante estadounidense), decidió comenzar a surtir la boutique con sus propios diseños.

Nueva lectura de la época

Desde finales de la década de 1950 hasta principios de la década de 1960, Bazaar fue una de las pocas tiendas en Londres que ofreció una alternativa a los estilos “maduros” producidos por otros diseñadores de alta costura. También ofrecía una experiencia de compra radicalmente diferente a la de los couturiers, grandes almacenes y cadenas de tiendas que conformaban el mercado de la moda. En Bazaar, la música fuerte, las bebidas gratis, los escaparates ingeniosos y los horarios extendidos de apertura crearon una “escena” que a menudo continuaba hasta altas horas de la noche. Las mujeres jóvenes viajaron a Bazar para disfrutar de comprar algo diferente en un entorno mucho menos formal.
La estética en desarrollo de Quant fue influenciada por los bailarines, músicos y chic chic de Beatnik del Chelsea Set, y los Mods (abreviatura de ‘Modernistas’), una poderosa subcultura que ayudó a definir la cultura juvenil de Londres a finales de los años cincuenta en Gran Bretaña, con su amor por Ropa deportiva italiana, sastrería afilada y contornos limpios. Las primeras colecciones de Quant fueron sorprendentemente modernas en su simplicidad y muy ponibles. A diferencia de la ropa más estructurada que sigue siendo popular entre los modistos, Quant quería “ropa relajada adecuada a las acciones de la vida normal”. Combinando vestidos cortos de túnica con medias en colores brillantes y sobresalientes (escarlata, jengibre, ciruela y uva), creó una versión atrevida y de alta costura de los trajes prácticos que había usado de niña en la escuela y en las clases de baile.
Un interés en lo inesperado fue otra firma para Quant. Jugaba con la escala y la proporción, y hacía referencia a la ropa del siglo anterior, subvirtiendo elementos familiares de prendas como las chaquetas Norfolk, las camisas con cuello de presilla y los corpiños Liberty. Uno de sus primeros diseños de 1958, un conjunto de tres piezas en franela gris, combina un sombrero, unos calcetines y un cambio de estilo túnica: un conjunto sorprendente que revisa la ropa interior victoriana como una forma peculiar de ropa de día. Otros ejemplos del enfoque irreverente de Quant incluyen su línea de cardiganes para hombres lo suficientemente largos como para usarlos como vestidos, y los cuellos de plástico blancos que se usan para alegrar los suéteres y vestidos. Tales diseños permitieron fácilmente a los consumidores jóvenes comprar “ser modernos”. Para 1957, la demanda de ropa de Quant había llevado a la apertura de una segunda tienda Bazaar en King’s Road, en un espacio diseñado por Terence Conran.

Historia de inventores
A Quant se le suele atribuir la invención del aspecto más icónico de la década: la minifalda. No hay evidencia concluyente para decir quién fue el primero en tomar los dobladillos un camino atrevidamente largo al norte de la rodilla (otra posibilidad es el modisto francés André Courrèges). En cualquier caso, las faldas extremadamente cortas y los vestidos de cambio se convirtieron en la marca registrada de Quant, y fueron popularizados por el modelo más prominente de la época, Twiggy, cuya figura esbelta ayudó a convertir los dobladillos súper cortos en una tendencia internacional. Las minifaldas y los vestidos se combinaron a la perfección con la gama de calzas y ropa interior de Quant, una de las primeras líneas producidas con el nombre de Mary Quant bajo licencia. Quant también creó el suéter ‘Skinny Rib’ (aparentemente inspirado en probarse un suéter de ocho años por diversión) y, en 1966, inventó los pantalones de abrigo. Aprovechando la historia de amor de la década de 1960 con nuevos materiales, fue la primera diseñadora en utilizar PVC, creando ropa de apariencia húmeda y diferentes estilos de botas resistentes a la intemperie en su gama de calzado, Quant Afoot.
Mientras la escena de la boutique de Londres seguía floreciendo, Quant estaba consolidando su posición como una potencia comercial y cultural. En 1962, firmó un lucrativo contrato de diseño con la cadena estadounidense de tiendas por departamento JC Penney. En 1963, la compañía Mary Quant Limited se expandió al mercado masivo del Reino Unido con una nueva línea de difusión más barata, Ginger Group. El mismo año, Quant recibió el Premio Internacional The Sunday Times por “sacudir a Inglaterra con una actitud convencional hacia la ropa”. En 1966, recibió un OBE y publicó su autobiografía, ‘Quant by Quant’. Al año siguiente, abrió su tercera tienda, en la calle New Bond de Londres. Al final de la década, Quant era la diseñadora más destacada del Reino Unido y había alcanzado un alcance sin precedentes en el mercado: se estimaba que hasta siete millones de mujeres tenían al menos uno de sus productos en su vestuario, mientras que miles más lucían el super -Modernos tonos de su gama de cosméticos con la marca ‘Daisy’.
Durante la primera mitad de la década de 1970, Quant permaneció a la vanguardia de la moda: su trabajo se celebró en una exposición retrospectiva de Mary Quant en Londres, en el Museo de Londres (Palacio de Kensington), desde noviembre de 1973 hasta junio de 1974. Desde finales de los años 70 en adelante, el negocio produjo ropa de mujer de alta calidad, junto con diseños de interiores coordinados para la compañía de fabricación británica ICI, que incluyen ropa de cama, alfombras, pintura y papel tapiz, gamas de difusión como trajes de baño, medias, joyas, la muñeca de moda Daisy y productos populares de maquillaje y cuidado de la piel. Quant presentó el cuidado de la piel para hombres y publicó libros que promocionaban sus ideas sobre los cosméticos. En 1990, el British Fashion Council le otorgó el prestigioso Premio Salón de la Fama, reconociendo su destacada contribución a la moda británica. Publicó su segunda autobiografía en 2012 y se convirtió en “Lady” para el año nuevo del 2015.

Miles de personas disfrutaron del arte contemporáneo en la Ciudad

Buenos Aires, 15 de abril de 2019.- Luego de siete días en los que el arte contemporáneo fue protagonista concluyó ayer la Semana del Arte, un evento masivo que abarcó diferentes espacios de la Ciudad para que vecinos y visitantes disfrutaran lo mejor de la escena local e internacional.

La SEMANA DEL ARTE se realizó del 8 al 14 de abril, en el marco de la 28ª edición de la feria arteBA. Se trata de una iniciativa del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires junto con 8 aliados estratégicos y, 22 instituciones y fundaciones culturales participantes. Se creó contenido especial que principalmente tuvo lugar en el Parque SEMANA DEL ARTE (Plaza Seeber, Av. Sarmiento y Libertador), a lo que se sumaron las actividades del programa Art Basel Cities: Buenos Aires. Alrededor de 150 mil personas pudieron disfrutar de la gran fiesta cultural.

“Buenos Aires tiene una gran vitalidad cultural. En cada rincón hay algo para hacer. Y la Semana del Arte buscó potenció ese ecosistema cultural que nos hace únicos. Es un orgullo para nosotros haber podido trabajar en equipo junto con las 22 instituciones que fueron parte de esta gran Semana del Arte que seguirá creciendo año tras año. No solo acércanos al público a las artes visuales sino que además fortalecimos el sector y de esta forma a Buenos Aires como centro cultural de latinoamérica”, dijo el ministro de cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro.

Diferentes manifestaciones de arte contemporáneo pensadas para distintas audiencias se presentaron en el espacio público y, asimismo, se otorgaron más de mil entradas para ingresar sin costo a instituciones culturales como es el caso de arteBA, MAPA – Feria de Arte, Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, El Moderno – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, MALBA – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Museo Sívori, Museo Xul Solar, y la apertura gratuita del domingo de Fundación PROA.

El Parque SEMANA DEL ARTE fue el epicentro de la SEMANA DEL ARTE, que en siete días fue visitado por 28.000 personas y en la inauguración contó con la presencia de más de 5.000 visitantes. Por su parte, arteBA anunció la concurrencia de un 20 por ciento más de público que el año pasado. Además, el Parque Semana del Arte fue sede de entrega de entradas para las instituciones y ferias participantes,y punto de retiro de entradas y catálogos -más de 200- para ganadores de los sorteos.

Por segundo año consecutivo, el Gobierno de la Ciudad organizó un ciclo de visitas guiadas en arteBA, en esta edición curado por la crítica y curadora de arte Laura Batkis, por el que pasaron más de 700 de personas en cuatro días. Se establecieron seis recorridos diarios con distintos circuitos temáticos. El público recibió entusiasmado la novedad de las visitas con Bonus Tracks, en las que cada día un invitado especial acompañó el recorrido de las 16.00 con la curadora. El ciclo se inauguró con Marta Minujín, con más de 4.000 personas inscriptas al sorteo para participar de para su visita guiada.

El Parque SEMANA DEL ARTE fue uno de los lugares de proyección de películas del BAFICI, por el que pasaron más de 1.000 de cinéfilos que disfrutaron de películas al aire libre y hasta se acercaron con sus mascotas. Por otra parte, se realizaron visitas guiadas por las obras emplazadas en ese espacio público estratégicamente ubicado en la Ciudad, entre las que se encontraban las performances de Margarita Paksa (presentada por Museo Sívori), “Más allá del tiempo” de Marie Orensanz (presentada por BIENALSUR), “Dios es inmigrante” de Mariana Telleria (envío nacional de la Bienal de Venecia 2019), “Tótem” y “Sillas monoblock” de Luna Paiva (presentada por Faena Art y Faena Festival) e “Hito de frontera” de Carlos Huffmann (presentado por Distrito de las Artes). Más de 200 de personas se sumaron a los recorridos.

Por tercer año consecutivo, también se llevó a cabo otro ciclo de charlas y clases magistrales de Art Basel Cities. Más de 800 personas asistieron al programa durante viernes, sábado y domingo tanto en las actividades en el Parque Semana del Arte como en la Pista Central de La Rural en el marco de arteBA.

Roman Polanski: “Mi vida, mi cine”, por Canal (á)

Los miércoles a las 12 hs. la señal presentará el documental dirigido por Laurent Bouzereau.

Canal (á) estrena “Roman Polanski: “Mi vida, mi cine” (2011) , el documental dirigido por Laurent Bouzereau, que recorre la historia y trayectoria del cineasta.

Polanski, habla de él y de su obra desde su casa de Gstaad (Suiza) en una entrevista que duró unas quince horas con su amigo, el productor británico Andrew Braunsberg.

El documental se detiene en la infancia del director franco-polaco, que Polanski cuenta desde el salón de su chalet suizo durante la detención domiciliaria dictada contra él en 2009 y que precedió a la decisión de la Justicia helvética de no extraditarle a Estados Unidos.

Además, la cinta aborda con detalle los primeros años de la vida del realizador e ilustra con pasajes de sus filmes el vínculo entre detalles personales y escenas de algunas de sus películas, entre las que Polanski destaca “El Pianista”.

ESTRENO: Roman Polanski: “Mi vida, mi cine” (2011)
Miércoles a las 12 hs.
Repetición: miércoles a las 16 y a las 20 HS.

Un estudio demuestra que la dieta cetogénica es clave para reducir ansiedad por comer o beber alcohol

• El estudio Calidad de Vida es el primero que evalúa de forma exhaustiva el efecto de la dieta cetogénica muy baja en calorías sobre la ansiedad por comer o beber alcohol y el bienestar psicológico, entre otros aspectos.

• Los resultados del estudio demuestran que la dieta cetogénica, desarrollada según las bases metodológicas de PronoKal Group®, además de producir una rápida y eficaz pérdida de peso, reduce la ansiedad por comer o beber alcohol, mejora la actividad física y la calidad del sueño, aumentando el bienestar psicológico y la calidad de vida de los pacientes en tratamiento.

• El Método PronoKal® es un tratamiento para la pérdida de peso. Se basa en un tipo de dieta normoproteica, baja en hidratos de carbono y grasas, que lleva al cuerpo a consumir la grasa acumulada como fuente de energía, manteniendo la masa muscular.

Buenos Aires, abril de 2019.- Por primera vez, la ciencia ha demostrado que la dieta cetogénica del Método PronoKal®, además de lograr rápidos y excelentes resultados en la pérdida de peso, ofrece a las personas con problemas de sobrepeso y obesidad, otros beneficios para su salud. “La obesidad es una enfermedad que cada día afecta a más personas en el mundo y en la Argentina”, expresa el Dr. Ezequiel Álvarez M.N N° 105.747, médico prescriptor del Método PronoKal®. “Un problema que no solo afecta a nivel físico, sino también a nivel emocional, teniendo un claro impacto en la calidad de vida de la persona. Además de las enfermedades que se suelen asociar a la obesidad, como la diabetes tipo 2 o las enfermedades cardiovasculares, las personas con exceso de peso a menudo experimentan ansiedad, falta de control sobre la alimentación, inestabilidad emocional, afectaciones en el sueño, en su sexualidad y una limitada calidad de vida.”

El estudio Calidad de Vida promovido por PronoKal Group®, multinacional española especializada en tratamientos para la pérdida de peso a través de la dieta cetogénica, se diseñó con el apoyo de profesionales de la salud, con el fin de evaluar factores como la ansiedad por comer o beber alcohol, la actividad física y sexual, el sueño y la calidad de vida en pacientes obesos, así como el papel del peso perdido y la cetosis. Publicado en la revista científica Nutrients, el estudio “sin duda es pionero en su ámbito, ya que es la primera vez que se estudian estos parámetros en el tratamiento de la pérdida de peso”, afirma el Dr. Felipe Casanueva, (Jefe del Servicio de Endocrinología del Complejo Hospitalario Universitario de Santiago de Compostela e Investigador Principal del Estudio).
“Ahora, por primera vez se demuestra que esta metodología multidisciplinar, basada en la dieta cetogénica y realizada bajo control médico, permite a los pacientes no solo perder peso, sino ganar en calidad de vida”, asegura el Dr. Casanueva.

Pero ¿cuál es el mecanismo en el organismo del paciente en tratamiento con el Método Pronokal que permite reducir su ansiedad, basándonos en los resultados del estudio de Calidad de Vida?

“El mecanismo que regula este control sobre la ansiedad por comer o beber es la cetosis, aplicada según el Método PronoKal®” explica el Dr. Álvarez. La cetosis es un proceso natural del cuerpo que se produce cuando hay un aporte muy bajo de hidratos de carbono. Lleva al cuerpo a consumir la grasa acumulada como combustible, resultando en una rápida pérdida de peso a expensas de masa grasa. “Estamos hablando de un tipo de dieta cetogénica, realizada bajo control médico con unas características muy concretas: normoproteica, baja en grasas y baja en hidratos de carbono, aportados a través de una gran variedad de vegetales. Mientras el paciente pierde peso de manera eficiente y eficaz, adquiere nuevos hábitos alimentarios con pautas nutricionales y recomendaciones del equipo multidisciplinario especializado”, describe el Dr. Ezequiel Álvarez.

Una de las principales características que diferencian al Método PronoKal®, es que, además de impulsar un cambio en los hábitos alimentarios de las personas con exceso de peso a través de la dieta cetogénica, ayuda a incorporar la actividad física en el día a día del paciente y favorece la no recuperación del peso perdido. Factores que marcan la diferencia en términos de bienestar y calidad de vida del paciente.

Reduce la sensación de hambre
Los malos hábitos alimentarios a menudo se asocian a una mala calidad de vida y a una baja autoestima e insatisfacción personal. La experiencia con el Método PronoKal® ha demostrado que controlar el hambre y la alimentación, sin olvidar el aspecto psicológico del paciente, es clave para asegurar el éxito de un tratamiento para la pérdida de peso.
“No todos consideran el aspecto psicológico y de bienestar del paciente cuando intenta bajar de peso y lograr hábitos saludables. Aquí dos puntos centrales: perder peso sin pasar hambre y sin ansiedad por otras comidas” afirma el Dr. Ezequiel Álvarez.
¿Se puede lograr? “Observamos que con el Método PronoKal® se consigue reducir el hambre a lo largo de todo el proceso, a diferencia de otros métodos con los que se observa un incremento. Este aumento de las ganas de comer, en muchas ocasiones, lleva al paciente a fracasar en su intento de bajar de peso”, declara Álvarez.
“El estudio Calidad de Vida ha revelado datos interesantes que muestran que con ciertos alimentos en particular, se reduce la ansiedad por tomar azúcares y grasas trans desde las primeras semanas. Con el Método PronoKal® se producen cuerpos cetónicos que reducen el apetito y ansiedad. En otras dietas donde no se producen los cuerpos cetónicos, este efecto no se observa”, aclara el Dr. Ezequiel Álvarez.
El Método también ha demostrado reducir de forma notable la ansiedad por beber alcohol en hombres, especialmente en las primeras semanas de tratamiento (fase cetogénica).

La calidad de vida aumenta notablemente
El estudio Calidad de Vida también evaluó la calidad del sueño, imprescindible para el bienestar de cualquier persona. En este sentido, los pacientes que seguían el Método PronoKal® reportaron una reducción de la somnolencia diurna y manifestaron mejoras en la calidad y la duración del sueño.
El Método PronoKal® consigue mejoras en la calidad de vida y en el bienestar psicológico de las personas con obesidad, como resultado de la rápida pérdida de peso y los cambios físicos en su composición corporal.
Durante el periodo de cetosis, que se da en las primeras semanas de tratamiento, los sujetos mostraron mejoras significativas en áreas como la función física y la autoestima. De hecho, la puntuación total de calidad de vida se duplicó al final del tratamiento con el Método PronoKal®, comparativamente con el inicio.

Seguir el Método PronoKal® supone incrementar la actividad física
Practicar actividad física tiene múltiples beneficios para la salud y el bienestar psicológico. Por eso es un elemento imprescindible del Método PronoKal®. Durante el estudio Calidad de Vida se observó una tendencia al incremento de la actividad física, especialmente el paseo, ya que los pacientes aumentaron la distancia andada en una semana y la actividad física intensa en 100 min/semana durante las primeras semanas de tratamiento frente al inicio.
Al aumentar su nivel de actividad física, los pacientes consiguen obtener los máximos beneficios de su bajada de peso, mantener el peso alcanzado, reducir la flacidez, prevenir la pérdida de masa muscular, prevenir dolores articulares y musculares, proteger su salud cardiovascular, además de otros beneficios adicionales, como descansar mejor.

Acerca del Método PronoKal®
El Método PronoKal® es un tratamiento médico de PronoKal Group® basado en la dieta cetogénica y específico para la pérdida de peso a expensas de grasa. Su estructura en solo 2 momentos y una metodología multidisciplinar única persiguen ofrecer al paciente una pérdida de peso rápida, eficaz, segura y de calidad, con óptimos resultados para la salud, a corto y largo plazo. Además de la pérdida de peso, favorece la no recuperación, resolviendo la inflamación de las células de grasa o lipoinflamación.
Desde sus orígenes, PronoKal Group® ha destinado muchos esfuerzos a respaldar científicamente el lanzamiento de todos sus programas y tratamientos, lo que permite hoy al Método PronoKal® disponer de aval científico para cada una de las partes que lo conforman y de los beneficios que ofrece. De hecho, a la bibliografía ya existente, se le suman los estudios científicos que respaldan la eficacia y la seguridad de la dieta cetogénica, la resolución de la lipoinflamación o la calidad en la pérdida de peso y la preservación de la masa muscular, entre otras cuestiones.
Asimismo, con el fin de ofrecer la máxima comodidad y calidad a sus pacientes, el Método PronoKal® dispone de una amplia gama de productos, con sabores y texturas distintas, que permiten elaborar sabrosos menús a lo largo de todos los pasos. Además, todos los productos están elaborados con la fórmula ProteinDHA®, que combina proteínas de alto valor

biológico de origen natural –principalmente leche, huevo y soja- y DHA de alta biodisponibilidad en proporciones adecuadas, bajo los más estrictos controles de calidad. www.pronokalgroup.com

El amante de los caballos. en El camarín de las musas (Mario bravo 960)

EL AMANTE DE LOS CABALLOS

Unipersonal de Ana Scannapieco dirigido por Lisandro Penelas

Una mujer atraviesa la enfermedad y muerte de su padre. Mientras recuerda su historia y la de su familia, intenta reconstruir el hilo que la une a sus antepasados, a ese mundo de los bailarines y los borrachos, de los jugadores y amantes de los caballos.

A través de su relato -colmado de recuerdos, imágenes y episodios enigmáticos de la vida de su abuelo, su papá y ella misma- va descubriendo una manera íntima y particular de despedirse de su padre. Y finalmente, de encontrarse a sí misma.

Actúa: Ana Scannapieco

Música original: Hernán Crespo

Diseño de vestuario y escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño de iluminación: Soledad Ianni

Fotografía: Ariel González Amer

Diseño gráfico: Martín Speroni

Asesoramiento coreográfico: Sabrina Camino

Producción ejecutiva: Cecilia Santos

Asistencia de dirección: Julieta Timossi y Ricardo Vallarino

Adaptación y dirección: Lisandro Penelas

Este espectáculo es una producción de Moscú Teatro Escuela

Reestreno quinta temporada: domingo 14 de abril 2019

Funciones: domingos 17.30 hs.

Duración: 45 minutos.

El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655.

http://www.elcamarindelasmusas.com/

Entradas: $ 350 y $ 280 (jubilados con acreditación)

Menores de 30 años presentando DNI 50% de descuento

2×1 Club La Nación con cupo

Premios y funciones especiales:

– Festival de Teatro en Larroque, Entre Ríos, marzo 2018

– Fiesta Nacional del Teatro del INT región CABA 2016

– Premio Sobre Bue 2015 en el rubro Mejor actriz en unipersonal

– Ciclo Estrógenas de unipersonales femeninos en el Centro Cultural Kirchner 2015, seleccionada por Mauricio Kartun.

– Espectáculo de estudio cátedra Introducción a la Comprensión de las Artes Combinadas y Artes Performáticas de la UADE

– Una temporada en Barcelona en 2018

Dijo la prensa argentina:

Identidades a caballo

“El amante de los caballos parte del cuento original de la norteamericana Tess Gallager y alcanza una fusión de identidades donde paisana, gaucho, jinete y caballo traspasan la forma humana y el corazón de los espectadores. Todo esto sucede, en menos de una hora estremecedora y mágica, en un pequeñísimo establo montado en la sala del escueto teatro Moscú.”

Paula Jiménez España, SOY, Página 12

https://www.pagina12.com.ar/68913-identidades-a-caballo

El poder lúdico de los recuerdos de la infancia

MUY BUENA “Ana Scannapieco y el director Lisandro Penelas hacen un trabajo grandioso; se ponen uno al servicio del otro para arrojar la mejor de las opciones. Una dirección cuidada que está en todos los detalles y una actuación majestuosa que responde a la perfección.”

Jazmín Carbonell, La Nación

http://www.lanacion.com.ar/1809086-el-poder-ludico-de-los-recuerdos-de-la-infancia

“La dirección funciona como un sutil mecanismo de relojería, capaz de dibujar los movimientos, los susurros -elemento clave en la pieza- para trazar una suerte de coreografía actoral, donde cada gesto que Scannapieco entrega con maestría comulga con la belleza de la dramaturgia. La pregunta de cuándo una despedida vital puede transformarse en el encuentro consigo mismo insiste a lo largo de una trama amable, con momentos de humor absurdo y tierno. Scannapieco entrega un trabajo maravilloso, atravesado por los distintos colores que hacen a las muertes y epifanías cotidianas y se mueve con la destreza de una bailarina, por momentos frágil, en ocasiones pícara y, en otros, todopoderosa. La geografía de breves secretos y anécdotas cotidianas que parecen susurradas en los pasillos de la casa donde fue escrita la obra se prestan para la intimidad generada por el pequeño espacio de la sala, casi un living de una casita donde se hace teatro.”

Laura Ferré, Télam

http://www.telam.com.ar/notas/201506/109532-moscu-teatro-sala.html

Los murmullos

En El amante de los caballos, de Lisandro Panelas, el pasado es un soplo que derriba el código temeroso de la normalidad. Lo que estalla sucede en el estremecimiento del público al que Ana Scannapieco delinea y cautiva con su voz inteligente y precisa. En los textos de Tess Gallagher que Lisandro Panelas adapta al teatro hay algo de lo impuro que se recupera para romper una normalidad temerosa. Scannapieco logra acercarse a su personaje con una cautela luminosa, como si al principio quisiera mostrarlo en una narración que se parece bastante a un contar despojado de la actuación, con una naturalidad exacta y afable que sólo se quiebra en esa dramaturgia muda que enreda cada vez que mueve los labios para invocar el murmullo. Pero después la actuación se convierte en un territorio poblado de invenciones, donde cada criatura atrapada en su monólogo aparece con una nitidez de película y ella esgrime una emoción tan sutil como arrasadora.

Alejandra Varela, Las 12, Página 12

https://www.pagina12.com.ar/123263-los-murmullos

“Ana Scannapieco (una actriz a la que no hay que perderle pisada) encarna a este personaje tan particular y cargado de poesía. No es de extrañar que el director Lisandro Penelas haya construido la dramaturgia a partir de textos de la escritora y poeta norteamericana Tess Gallagher. Es que esta propuesta es de una enorme poesía. Evoca, hace viajar, imaginar, sentir y hasta oler la atmósfera que se propone en el relato de esta mujer que decide revisitar su pasado. La sala de Moscú Teatro se viste de campo, en sus pisos hay paja repartida, el olor a establo penetra en todo el público para poder viajar, directo. Ella traerá al presente recuerdos: un abuelo susurrador de caballos, el juego, el alcohol. Aquí hay magia.”

Jazmín Carbonell, Infobae

www.infobae.com/cultura/2017/11/02/teatroinfobae-5-unipersonales-imperdibles/

“El amante de los caballos es un espectáculo de una gran belleza. Ana Scannapieco es una actriz consumada, capaz de tocar al espectador en sus fibras más íntimas. Dirigida por Lisandro Penelas, Scannapieco se interna en los textos de Tess Gallagher con magia y admirable talento y consigue conmover al espectador y transportarlo a un mundo mágico y emotivo.”

Osvaldo Quiroga

“Excelente trabajo de Ana Scannapieco bajo la impecable dirección de Lisandro Penelas”

Enrique Avogadro

“La actuación de Ana Scannapieco es belleza pura. Nos cuenta mirándonos unoa uno a los ojos. Sus ojos que se llenan de lágrimas al final con entrega profunda y hasta queres meterte en la obra a abrazarla.”

Gabriela Radice

“Muy buen espectáculo. Muy buena actuación de Ana Scannapieco, el trabajo con el cuerpo, su relajación para contar, muy bien dirigido. Me hizo viajar a los campos de mi infancia.”

Mauricio Dayub

“El amante de los caballos, una pequeña maravilla del teatro Moscú. Vayan, quedan pocas funciones. Quisiera tener 30 y ser amiga de ellos.”

Muriel Santa Ana

“Salí con un nudo de emoción al que (como los labios mudos de esa actriz extraordinaria) no pude y creo que no puedo terminar de ponerle palabras. Por ahora, esto… La obra toca algo muy grande, esa intuición de inmensidad que en algún momento la muchacha dice que es la muerte en la que su padre está por entrar pero que también es la vida, la conexión vital y poderosa con el deseo. Tengo la imagen del cabello bellísimo derramado sobre la batea de agua como la crin de una yegua y no sé por qué me digo que en cosas así bulle la vida. En fin, delirios. La obra me pegó mucho. Ana Scannapieco y a Lisandro Penelas que han creado algo medular, que les agradezco.”

Elsa Drucaroff

“Precioso texto poético de mucho poder evocador y gran laburo de la actriz, tan afinada, desprovista de cualquier subrayado, de una economía esencial!”

Moira Soto

“La sala es pequeña; la actriz, Ana Scannapieco, lo da todo, y es inmensa.
En el escenario ínfimo cabe un caballo que cabalga el personaje en la memoria del gesto y cabe también el universo que Tess Gallagher narró en su cuento y que Lisandro Penelas adaptó con esa hondura. Ricardo Vallarino y todos pulen la gema cada noche. Hay poesía en esta obra, es preciosa.”

Ángela Pradelli

“La precisión del director y la acertada elección del espacio se potencia con el oficio y la sensibilidad de Anna, quien efectivamente (re)crea el texto, al otorgarle su propio ritmo, dosificarlo con adecuados silencios, visualizar lugares a partir de su encuentro con los objetos, transitar diferentes etapas del tiempo desde su voz, y enriquecer la historia con sus desplazamientos circulares que conducen a un espacio al mismo tiempo, local y mítico. Este unipersonal vuelve a plantear un interrogante: ¿contar es sólo “decir una historia imaginaria para divertir”? El contar de Scannapieco /Penelas es mucho más: implica pensar, imaginar, rememorar, “crear mundos, vínculos, deseos, esperanzas”[2], y combina equilibradamente la memoria concebida a partir de la emoción con la reminiscencia evocada a través de la razón. Esas son algunas de las razones por las que considero a este un espectáculo modélico.”

Perla Zayas de Lima, Goenescena

http://goenescena.blogspot.com.ar/2017/08/anna-scannapieco-protagoniza-el-amante.html

“Todo está en su lugar, con una precisión quirúrgica para el desarrollo exacto de una puesta de calidad. El devenir de los hechos es de un dinamismo digno de elogio. Sin prisa pero sin pausa, la puesta se desarrolla con armonía, en el marco de una historia atrapante. Unipersonal femenino de poética con sensibilidad a flor de piel, crea imágenes diversas a todo aquél que vaya con el corazón y la mente abierta. A esta altura, huelga decir algunas palabras de la excelente actuación de Ana Scannapieco. Su despliegue físico es preciso, al igual que esos silencios en los que parece que el tiempo se detiene con el fin de contemplar su actuación. Pero será en esos instantes donde todo confluye en pos de la puesta. Un gesto, una mirada, un cambio de postura hace que todo vuelva a cambiar pero siempre dentro de un espacio que baila a su ritmo. Cada uno de sus movimientos está cálidamente calculado para que el rompecabezas que plantea la puesta sea una combinación de misterio y poesía matizada con un clima oníricamente atrapante.”

Daniel Gaguine, Elixir revista del Baco Club

“La adaptación que Lisandro Penelas hizo de un texto de la escritora estadounidense Tess Gallagher, y también su dirección, es clave para que las historias de dos hombres, consideradas por la sociedad como oscuras y venales, se transformen desde la mirada de una mujer que los ama y añora, en esenciales para llegar a la felicidad.”

Revista Sudestada

“La actriz, Ana Scannapieco, logra con maestría atravesar las palabras para introducirnos como espectadores en la tensión de sensaciones que nos producen sus movimientos animalizados, su susurro equino, sus maneras de atravesar el espacio, y la fuerza, de a través de una gestualidad estudiada.”

Luna Teatral

El Amante de los Caballos Adaptación de Lisandro Penelas

“Ana Scannapieco, libera su voz susurrando al corazón del espectador en un clima intimista creado por el director Lisandro Penelas. El amante de los caballos relato de Tess Gallagher.”

Sergio Gusenko

“El íntimo, minimalista, fluido, simpático, y no menos interesante trabajo de Penelas-Scannapieco seduce como el susurro al oído del enamorado amante. Es un cuento rico, donde nos propone esa curiosa relación del abuelo que encanta equinos con palabras que solo las dos partes (abuelo y caballos) comprenden. Y el susurro del abuelo, simbiotizado en la nieta, nos inquieta por su condición de enigmática, mágica, inaudible, secreta comunicación”

Michelangelo Tarditti, Desde el pie y De Norte a Sur

“El amante de los caballos es un unipersonal excelente que rescata aquellos valores esenciales de un hombre que amó a sus animales y que vivió la vida como quiso sin sentir la necesidad de fingir una postura ante alguien o de dar explicaciones sobre su accionar. Una verdadera joyita del teatro que indaga sobre lo moralmente correcto o incorrecto…”

Sabor a Teatro

Relatos de una hija de campo y sus fantásticos antepasados

“El amante de los caballos fue la primera obra programada por el Moscú Teatro allá por el 2015. Tal fue el éxito de la obra, que el teatro ubicado en Villa Crespo continúa haciendo funciones tres años después. Es que se trata de una pieza corta, unipersonal, fácilmente disfrutable y sumamente poética, ideal para este espacio. En su relato, Scannapieco se mete de lleno en los ritmos propios de cada personaje, acompañada de un ambiente campestre, con todos los elementos típicos. Adopta sus posturas, su forma de hablar, sus muletillas, sus gestos y susurros. De esta manera renacen en su interior esas características de las personas que amó y ya no están, y se quedan ahí para poder perdurar en el tiempo. Una combinación armónica entre lo poético y lo fantástico se instala en ella. El amante de los caballos es un relato extraordinario gracias a un ajustado ritmo doméstico cotidiano, como un baile para acompañar a la muerte.”

Melina Martiré, revista Colofón

Relatos de una hija de campo y sus fantásticos antepasados

“Quien ame la fantasía, el lirismo y sobre todo esa maravilla que es el teatro, no debe dejar de ver El amante de los caballos.”

Periódico Irreverentes

“Penelas reconstruye este cuento y hábilmente le da forma teatral reformulando tiempo y espacio, ofreciendo ínfimos datos para situarlo en nuestra geografía, en un pueblo nuestro de cualquier latitud, con pequeñas pistas escenográficas muñidas de detalles y objetos universales. Ana Scannapieco es la valiosa actriz de este unipersonal, quien en complicidad con su director y conocido compañero de viaje, asumen un extremo riesgo para este trabajo, un estilo de actuación que muy pocas profesionales, como Ana, pueden transitar, otorgándole a la obra un misterio onírico que en conjunto con la calidad de relato que ella demuestra conforman el nudo central de este material. Una historia poco común, pero común a todos es el mensaje elevado que nos deja. Una propuesta poco pretenciosa que resulta ser trascendente. Imperdible.”

Juan José Bertolaga, Planeando sobre BUE

http://sobrebue.com/visorNotaHtml.php?idNota=1133

“Scannapieco es capaz de marcar dibujos en el aire y generar movimientos que hacen ver lo que deberíamos sólo imaginar. Y la voz, entre susurros es un instrumento clave en la obra de la manera que fueron trabajados. Scannapieco conmueve, y deja al público la necesidad de estar ahí. La suma de todos estos factores genera una obra de una belleza impecable que no se arrepentirán de ver.”

Rocío Florencia Duarte, revista Meta

http://www.revistameta.com.ar/archivos/15478

A través de la historia familiar, su abuelo, su padre, su madre y sus trágicos destinos, Scannapieco a la par del relato, interpreta un meta-relato, que expresa concretamente su identificación con los caballos. Esto lo va haciendo de manera sutil, lenta y disimuladamente tanto que el espectador debe estar atento al principio de la obra para percibir sus “susurros” que es precisamente lo que hace de ella una actriz realmente asombrosa. Porque esta obra tiene una magia que de la mano de Scannapieco nos va adentrando en el mundo equino, en la posibilidad -y certeza- de comunicación con ellos, y en una versión animista de la muerte que resulta una enorme poética. La obra es muy recomendable, la actuación de Ana Scannapieco es maravillosa, guiada de la mano de un joven pero talentoso director como Lisandro Penelas.

Marcos Koremblit, Crítica Virtual

“Ana Scannapieco vuelve a fascinarnos con la creación de una criatura que encarna la síntesis de un árbol genealógico dominado por las pasiones. Una mujer que asume y trasciende el pasado de su padre y su abuelo. No hay traducción que haga justicia a lo que logra, así que los invito a verla.”

Me cago en la bohemia

http://mecagoenlabohemia.blogspot.com.ar/2015/07/corazon-moscovita.html

Magia e intimismo

Un texto potente que ahonda en la memoria de los lazos familiares que nos hacen entender quiénes somos. Es imposible permanecer indiferente a esta historia. La ambientación de la pequeña sala, la iluminación, la minuciosa dirección y la fascinación que produce la actuación magistral de Ana Scannapieco hacen que esta obra sea inolvidable. Con sus susurros, sus movimientos perfectos, la actriz nos seduce con la cadencia de su perfecto contar, cuando narrar es transportarnos a otro mundo, un lugar lejano que sin embargo es un espejo de nuestro interior. En 45 minutos preciosos, nos despegamos de las luces y ruidos de la cercana calle Corrientes para trasladarnos al campo, al agua, a la fuerza elemental de los caballos. Me alegra muchísimo saber que este año seguirá en cartel esta alhaja del teatro independiente. No se la pierdan.

Liliana Schwab, Razón del Gusto

https://razondelgusto.blogspot.com.ar/2018/02/el-amante-de-los-caballos-cuarta.html

“La obra dirigida por Lisandro Penelas es un unipersonal llevado adelante por Ana Scannapieco qué nos sorprende por el trato del texto, el manejo de los tiempos y la forma en que nos trasmite las emociones que el personaje está sintiendo: nostalgia, tristeza, amor, ternura, despecho, entre muchos otros. Desde mi punto de vista, lo más sorprendente de Ana es la cita textual de muchos pasajes sin caer en el ‘memorismo’. Un mérito imperceptible si no se lee la obra. Pero admirable si uno pudo apreciar el texto escrito. Lejos de las grandes urbes hay una complejidad silenciosa: la mirada de los demás pesan, y la de las familias aún más. Nuestros antepasados nos recuerdan el ‘bien’ y el ‘mal’ y nuestros progenitores luchan para que nos parezcamos sólo a los que ellos consideran buenos y justos. Finalmente, como bien lo podemos saber en El amante de los caballos nosotros nos encontraremos a nosotros mismos y no volveremos a negar el “infame mundo de los bailarines y los borrachos”.

Joaquín Chemille, Espectáculos de Acá

http://www.espectaculosdeaca.com.ar/el-amante-de-los-caballos-2/

“Tengo en la piel (todavía) esta obra que vi el sábado a la noche en Moscú Teatro Escuela. La recomiendo intensamente. Y me alegra descubrir y descubrir y descubrir para qué hacemos teatro. Felicitaciones a Ana Scannapieco por ese mundo… No se la pierdan. Ojala puedan disfrutarla.”

Paula Fernández Mbarak, actriz

Dijo la prensa española:

“¿Quién soy?”

No habrá montajes mucho mejores, durante los próximos meses, que de la Compañía Moscú. Poquitos días en Barcelona, y alguno en Madrid. El amante de los caballos es un susurro al oído que fue emitido hace siglos, y La Badabadoc, el santuario en el que se nos dice. ”

Xavier Pijoan, teatro Barcelona

Acento argentino

“Una obra tan original como desgarradora“

Laura Ventura | La Nación

https://www.google.es/amp/s/www.lanacion.com.ar/2174659-teatro/amp/2174659

“El arte del monólogo”

El magnetismo del relato y la extraordinaria actuación de la protagonista, que resuelve con solvencia el monólogo. Un monólogo que trasciende, traspasa barreras, que respira sensibilidad y sutileza. Gran versión del relato de Tess Gallagher.”

Ignasi y Laura, Cultura y algo más

“Todo un recital de la protagonista Scannapiedo excelencia • lentment dirigida por Penelas. Una hora corta de buen teatro, Sencillo, Cautivador ”

Josep Mª Ribaudí, El blog dén Kbrota, Teatre Barcelona

“Teatro esencial. El amante de los caballos es un regalo para volver al origen y a lo esencial. Un masaje por los sentidos que nos acerca a lo más básico del hecho teatral: presencia y emoción. Una pieza que encaja como un guante con La Badabadoc y que es un reflejo del trabajo que se realiza en esta sala durante toda la temporada: rigor, detalle y un gran respeto por todo lo relacionado con el teatro.”

Imma Romero, Teatro Barcelona

“Una propuesta mágica. Nos ha gustado el texto, la adaptación, la cuidadosa dirección y la puesta en escena, pero nos ha subyugado la interpretación de Ana Scannapieco, una magnífica actriz que nos ha emocionado y nos ha tenido magnéticamente pendientes de ella, de sus gestos, sus palabras y sus susurros. Todo un reto interpretativo intercalar susurros al oído, entre frase y frase. Una interpretación intensa y delicada al mismo tiempo. Un descubrimiento. Un auténtico regalo. Una propuesta mágica que nos ha emocionado. Imperdible !!!

Miquel Gascon y Imma Barba, Vueltas y vueltas, Teatro Barcelona

“Esencial” El trabajo que hace la actriz Ana Scannapieco es extraordinaria, todas las miradas, movimientos, tono, emociones. Pienso que la complicidad entre el director Lisandro Penelas y la actriz ha sido primordial para que esta obra funcione como un reloj. Dirección e interpretación hicimos de la mano, y eso se nota. Felicidades !!! Os recomiendo que no os perdáis esta pequeña joya.”

Nieves Monico, teatro Barcelona

“Lindo teatro argentino en lindo teatro de Gracia.

Un monologo siempre resulta complejo, pero cuando la actriz que lo lleva a cabo, sabe lo que hace, resulta un regalo para ella y naturalmente para el público.”

Carles Lucas Giralt, Paisatge teatral

“Un ritmo que te atrapa, te sumerge al instante en el mundo de la protagonista desde los primeros instantes. Magia pura.No se me ocurre mejor manera de empezar la temporada teatral. Bravo.”

Elisa Díez, Butaques i somnis

“Con una puesta en escena elegante, y la seguridad de quien tiene un buen texto entre manos, la compañía Moscú hace bandera del menos es más y nos brinda una historia preciosa, bien narrada y en la que ningún detalle queda al azar.”

Gemma Moraleda, Somnis de teatre

Quedan 5 días para postularse al Premio Mujeres Solidarias

Las mujeres de todo el país podrán postularse hasta el 15 de abril a través del sitio web de Fundación AVON. Las 5 ganadoras, que recibirán cada una $200.000 pesos para la concreción del proyecto se conocerán en la ceremonia de premiación que se realizará en agosto.

Buenos Aires, abril de 2019 – Sólo quedan 5 días para que las mujeres emprendedoras del país puedan postular su proyecto para la 12va edición del Premio Mujeres Solidarias de Fundación AVON. Esta iniciativa reconoce a mujeres líderes sociales que desarrollan programas para transformar la realidad de sus comunidades. Cada uno de los 5 proyectos seleccionados recibirá una asignación de $200.000 para su concreción o continuación.

Para participar de la convocatoria, los proyectos deben enmarcarse en alguno de los Objetivos de Desarrollo Sostenible promovidos por la ONU: fin de la pobreza; hambre cero; salud y bienestar; educación de calidad; igualdad de género; agua limpia y saneamiento; energía asequible y no contaminante; trabajo decente y no contaminante; industria, innovación e infraestructura; reducción de las desigualdades; ciudades y comunidades sostenibles; producción y consumo responsables; acción por el clima; vida submarina; vida de ecosistemas terrestres; paz, justicia e instituciones sólidas; y alianzas para lograr objetivos.

“Invitamos a todas las mujeres a que postulen sus proyectos, porque queremos conocerlas y apoyar su trabajo que mejora la vida de muchas comunidades del país. Con el Premio Mujeres Solidarias buscamos multiplicar sus acciones, a través de la difusión y el reconocimiento, para brindarles el apoyo que se merecen y necesitan para seguir adelante y así, inspirar a toda la sociedad”, comentó Florencia Yanuzzio, Directora Ejecutiva de Fundación AVON.

El Premio Mujeres Solidarias nació en 2007 y, desde entonces, reconoce, estimula y apoya el trabajo comunitario y social de muchas mujeres. Además, abrió un sin fin de posibilidades de trabajo en red para las 35 ganadoras y para los más de 1.500 proyectos que se han postulado, y que hoy continúan ese trabajo incesante en sus comunidades.

¡Conocé a algunas de las ganadoras!

Alejandra Martínez – 10ma Edición

Junto a la organización Microjusticia, postuló el proyecto “Derecho a la identidad y empoderamiento legal de la mujer”, que busca empoderar legalmente y promover el acceso a la justicia de mujeres en situación de vulnerabilidad social en Buenos Aires, a través de la capacitación y el asesoramiento legal.

Jimena Ferrer Lozano – 9na Edición

Presentó la iniciativa “Pelucas Solidarias Baradero”, un equipo que fabrica pelucas con pelo natural, donado por personas de distintos lugares del país, para entregar en forma gratuita a mujeres que están en tratamiento de quimioterapia.

Nanci Cristina Giraudo – 8va Edición

El proyecto presentado buscó promover y facilitar el involucramiento de mujeres entre 15 y 35 años de la comunidad de Bajo Boulogne como agentes multiplicadores de salud, para la prevención, promoción y transformación de los casos de violencia contra la mujer desde el abordaje de la Atención Primaria de la Salud, realizando talleres de capacitación y utilizando las redes sociales para compartir recursos comunitarios.

Éste es el momento de participar y postular tu proyecto o invitar a alguna mujer emprendedora a que se postule. ¡Queremos conocerte y ayudarte a hacer realidad tu proyecto solidario!

Para más información, ingresar al sitio web de Fundación AVON: https://www.fundacionavon.org.ar/premiomujeressolidarias/

Acerca de Fundación Avon

Desde 1999, la Fundación AVON trabaja para defender los derechos de las mujeres, promover su salud y cuidar su integridad física, social y emocional, liderando esfuerzos para erradicar el cáncer de mama y poner fin a la violencia de género y reconocer a mujeres que lideran proyectos sociales en el país.

Con la “Promesa AVON para ganarle al Cáncer de Mama”, brinda acceso a la realización de mamografías gratuitas a mujeres en edad de riesgo y sin acceso al estudio, organiza la Caminata AVON para ganarle al cáncer de mama y realiza otras acciones para crear conciencia sobre la importancia de la detección temprana de la enfermedad.

En el marco de su programa “Promesa AVON para erradicar la violencia hacia mujeres y niñas”, realiza acciones de concientización, capacitación y trabajo en red para contribuir a la erradicación de esta problemática.

Con el “Premio Mujeres Solidarias”, reconoce y apoya a las mujeres que lideran proyectos sociales y que generan importantes cambios en sus comunidades.

Mc Luhan Consulting presenta MILA, un chatbot de IA que impulsa las ventas

Mc Luhan Consulting, empresa especializada en consultoría, desarrollo e implementación de soluciones de Inteligencia Artificial, presenta MILA, su chatbot de IA diseñado con un foco particular en los procesos de ventas. MILA se integra a los flujos de registro, captación de leads y ventas digitales en general.

“Las personas utilizan cada vez más chatbots basados en Inteligencia Artificial (IA), desde organizar calendarios, pedir comida y planificar vacaciones, hasta para interactuar con su entidad bancaria o realizar reclamos. Es que IA se está moviendo hacia todo y en todas partes,” explicó Andrea Mandelbaum, Presidenta de Mc Luhan Consulting. Y agregó: “Según Gartner, su adopción en organizaciones se ha triplicado en el último año, y es una de las principales prioridades para los CIOs. Estamos advirtiendo que los líderes de TI deben planificar temprano y usar técnicas ágiles para aumentar la relevancia y las tasas de éxito de este tipo de iniciativas. MILA es una asistente digital cognitiva que desarrollamos en base a nuestra amplia experiencia en canales y, en este caso, con foco especial en industrias de Retail, Seguros y Banca.”

“Si bien MILA soporta procesos de atención y soporte típicos de estas industrias, fue diseñada con un foco particular en los procesos de ventas y se integra perfectamente a los flujos de registro, captación de leads y ventas digitales en general. La especialidad de nuestra consultora son los asistentes digitales como MILA, que funcionan a la perfección para complementarse con un servicio de outbound/inbound calls en trabajos de captación de potenciales clientes, evitando, además, el abandono de shopping carts o procesos de registro y alta,” afirmó Andrea Mandelbaum. Y destacó: “La IA aplica análisis avanzados y técnicas basadas en la lógica, incluido el aprendizaje automático, para interpretar eventos, respaldar y automatizar decisiones, y accionar al respecto. En la medida en que estas soluciones aprenden los hábitos de los usuarios se vuelven cada vez más útiles y eficientes. MILA tiene un motor cognitivo que permite entender la intención del interlocutor sin tener que usar palabras específicas. Cuando nota que el cliente necesita otro tipo de interacción, o es un caso complicado, lo deriva a un asesor humano. Cuando finaliza una conversación, puede enviar un SMS, WhatsApp, etc. Asimismo, cuenta con una interfaz gráfica que permite mostrar botones para facilitar la interacción. Tiene experiencia en venta y encuestas; también en gestión de siniestros, reclamos, emisión de pólizas y FAQs.”

De acuerdo con Gartner, la IA aplicada a las ventas permite una mayor eficiencia en los procesos comerciales, a menudo con tasas de conversión hasta un 30% más altas cuando se trata de clientes potenciales. “MILA es capaz de integrarse a sistemas de CRM, cores de negocio y sistemas de analíticas para poder optimizar el proceso de aprendizaje y generar insights tal cual lo haría una vendedora real. Contamos con casos de éxito, en lo que refiere a colaborar y recomendar en el proceso de venta de e-commerce, aumentando el cierre de venta en porcentajes muy elevados”, comentó al respecto Andrea Mandelbaum.

La incorporación de soluciones de Inteligencia Artificial en los negocios ya no es un privilegio de grandes empresas y entidades gubernamentales, sino que cada vez estas plataformas están siendo más explotadas por las pymes, que son conscientes de que su competitividad depende de adoptar nuevas tecnologías y cambiar su estructura interna para adaptarse a nuevos modelos de servicio. Sin embargo, muchas de ellas no lo hacen por falta de presupuesto o de habilidades y entrenamiento.

“Al ser una tecnología potente, flexible y avanzada, pero de rápida implementación y con costos relativamente bajos, MILA es ideal para las empresas (grandes o pymes) que están recién comenzando a transitar por el camino de la IA”, sostuvo la Presidenta de Mc Luhan Consulting. “Las soluciones como MILA permiten crecer mejorando el proceso de ventas y escalar el negocio sin necesidad de aumentar el personal. Además, desde nuestra perspectiva de consultora de Customer Experience (CX), la clave para las pymes es que MILA y la IA permiten brindar mejores servicios, liberando a los empleados de las tareas de soporte o de ventas rutinarias y automatizables, para asignarlos a cuestiones que verdaderamente agreguen valor para los clientes o prospectos”.

Asimismo, Andrea Mandelbaum explicó que, si bien MILA es personalizable, “hacemos un esfuerzo para armar soluciones empaquetadas que tienen que ver con casos de uso repetidos entre las empresas que nos contratan. De esta forma, los tiempos de implementación se acortan muchísimo comparados con otras soluciones del mercado, ya que viene preconfigurada”. Y concluyó: “Con MILA, las pymes pueden proveer una experiencia más cercana y personalizada y tener una ventaja competitiva frente a las grandes corporaciones”.

Acerca de Mc Luhan Consulting

Mc Luhan Consulting es una empresa de capitales argentinos especializada en omnicanalidad y experiencia del cliente. Fundada en octubre de 1996, es elegida por empresas en diversos mercados verticales, como finanzas, retail, tecnología, telecomunicaciones y entretenimiento, entre otros.

La compañía tiene 250 empleados y cuenta con operaciones comerciales en Argentina, Brasil, Colombia, México, Perú, Chile, Bolivia, Paraguay, Ecuador, El Salvador, Panamá, Uruguay, Costa Rica, España e Italia. Las oficinas centrales se encuentran en Ayacucho 1246 Piso 4, Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Contacto. Info@mc-luhan.com.ar

El miedo a lo viejo

Damián Szulman, socio de Seidor en Argentina, www.seidor.com

En el escenario cambiante de la globalización la sensación habitual en nuestra industria es la del vértigo. Parece que todo ha sucedido ayer y que hoy vivimos un mundo nuevo. Esa vorágine explosiva debería motivarnos a explorar el sinfín de novedades que trae aparejada. Y de cierta forma, lo hace. Al menos teóricamente. En la práctica, muchas veces ese ritmo tiende a hacer que busquemos “atarnos” a lo poco que podemos controlar.

Así, entonces, innovar se nos hace complicado. Parece que todo lo que rodea cambia y se necesita hacer que algo del escenario permanezca. Entre tanta novedad, algo que nos haga sentir seguros, con un cierto aire de familiaridad. Como esos niños que de vacaciones se llevan su peluche preferido, como para al menos tener “algo” de su casa con ellos a la hora de dormir.

En ese efecto, se cae en retroceso. Nada peor en materia tecnológica. No hay que olvidar que mientras uno se aferra al pasado, otros pueden estar haciendo futuro. Así fue como Netflix generó una enorme disrupción en la industria del entretenimiento. O como Uber está haciendo tambalear las nociones clásicas en materia de transporte público. ¿Habrá alguien allí afuera a punto de producir un cambio tan drástico en nuestro mercado, al punto tal que si estamos demasiado abrazados a lo viejo corramos el riesgo de quedar fuera del juego?

Por todo esto, en Seidor nos hacemos amigos de la innovación. Esa cualidad representa para nosotros la permanencia, lo establecido, la rutina cotidiana. Creamos con y para nuestros clientes articulaciones de herramientas bajo la idea de pensar diferente los problemas. De darles una vuelta de tuerca. De dar siempre un paso más. Nos dimos cuenta que el miedo se le debe tener a lo viejo, a quedarnos estancados en el mundo conocido, a adormecernos en nuestra zona de confort.

La aventura es desafiante, pero para eso nacieron las tecnologías que implementamos: para desafiar con soluciones los problemas que surgen.

Vuelve a Buenos Aires el Ballet Nacional de España

Con una delegación de más de 70 personas que incluye bailarines, cantantes, coreógrafos, músicos en vivo y la presencia de su director Antonio Najarro, vuelve a Buenos Aires el Ballet Nacional de España, el mayor exponente de la danza española, que concentra lo más variado de sus estilos tanto en la más auténtica tradición del flamenco, el bolero, la danza clásica y el folklore como así también aportando lo mejor de la vanguardia.

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA

6 ÚNICAS FUNCIONES

11 AL 16 DE JUNIO

TEATRO COLISEO

En esta oportunidad, el programa cuenta con las siguientes obras:

CANTIÑAS
Coreografía: Mercedes Ruiz
Música: Jesús Torres

Aquí se pone en valor el juego entre el hombre y la mujer a través del vocabulario coreográfico en donde el uso de la bata de cola en la mujer potencia su feminidad frente a la fuerza y energía del hombre.

SER
Idea original y Coreografía: Antonio Najarro
Música:Fernando Egozcue

Coreografía inspirada en la danza estilizada pero con movimientos y formas muy personales donde la bailarina se acompaña de un complejo toque de castañuelas, transformándose posteriormente en una mujer transgresora, fuerte y decisiva, llena de matices y energía.

BOLERO
Coreografía:RafaelAguilar
Música: Maurice Ravel

El lenguaje flamenco, con sus ritmos y su estética da a esta obra una nueva lectura, enriqueciéndola de una atmósfera y de unos sentimientos nacidos del alma española, en medio de una interpretación libre, regida por los movimientos de los instintos y del alma, en una alegoría al narcisismo.

ENTREACTO

SUITE SEVILLA
Idea original, Coreografía y puesta en escena: Antonio Najarro
Música: Rafael Riqueni, Miguel Rivera y Diego Losada

En “Suite Sevilla”, Antonio Najarro da vida a una nueva creación coreográfica a través de la danza clásico- española fusionada con las nuevas tendencias vanguardistas. “Suite Sevilla” ha sido galardonada con el Premio al Mejor Espectáculo de Danza de la Temporada en la XXI edición Premios Teatro De Rojas de Toledo.

Es una producción de Lino Patalano para Asociación Maipo Arte Joven S.A. que cuenta con el Auspicio Institucional del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y que ha sido declarada de Interés Nacional por la Presidencia de la Nación.
Posteriormente la compañía realizará presentaciones en el teatro Las Condes de Santiago de Chile.

Ballet Nacional de España
Teatro Coliseo
Funciones: Martes a jueves 20hs. Viernes 21.30hs Domingo 18hs
Localidades a la venta en boletería o Ticketek desde $ 600,oo
Prensa: Raquel Flotta

Gardel: Las ciudades de Berlín y Buenos Aires inaugurarán en Olleros 3640, un mural artístico

BERLÍN Y BUENOS AIRES CELEBRAN 25 AÑOS DE HERMANDAD CON LA INAUGURACIÓN DE UN MURAL EN EL CENTRO CULTURAL CARLOS GARDEL

El diseño estará inspirado en el concepto de “Libertad” que desde el año 1989 se impone como un sinónimo de la capital alemana.

El próximo lunes 8 de abril a las 18.30 h las ciudades de Berlín y Buenos Aires inaugurarán en el Centro Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640) un mural artístico en el marco de la celebración por los 25 años de relación y trabajo conjunto permanente.

Los artistas alemanes Die Dixons, Boogie, Size Two, y la argentina Fio Silva tuvieron a cargo la realización del mural sobre el frente del Centro Cultural Carlos Gardel.

Participarán del evento el ministro de cultura de la Ciudad de Buenos Aires Enrique Avogadro y el alcalde de Berlín Michael Muller, quien se encuentra en el país participando de la tercera Cumbre Internacional de Ciudades Culturales. Además, asistirán invitados especiales del mundo artístico, representantes culturales de Goethe Institut, de la Embajada Alemana y de la Ciudad.

Berlín siempre ha sido una ciudad de ideas, invenciones y experimentación. Desde la caída del Muro en noviembre de 1989, Berlín ha sido la capital de la libertad. La variedad, los opuestos, la coexistencia, lo colorido, lo creativo, lo loco y también lo normal, todo lo que Berlín representa internacionalmente, se basa en el gran valor de la libertad. Hoy en día, Berlín es la suma de los estilos de vida de todos los ámbitos de la vida. La ciudad ofrece a todos la oportunidad de desarrollarse libremente.

Por su parte la Ciudad de Buenos Aires, se ha ido posicionando como el centro cultural de latinoamérica debido a su gran oferta cultural pública, independiente y privada. El arte con sus galerías, los teatros, las librerías, los cines, la música y la danza conviven en una Ciudad que siempre ofrece algo para hacer. La realización del mural artístico será una de las tantas acciones que se realizarán dentro de una agenda de actividades especialmente pensadas para este aniversario de hermandad, y representará la valiosa unión entre dos polos culturales que desde hace 25 años cooperan entre sí elevando las fortalezas de cada región.

Un tiempo y espacio orgánico inunda el Pompidou

Por Flavia Tomaello, https://flaviatomaello.blog/, Instagram @flavia.tomaello

Esta exposición en el Centro Pompidou es la primera gran retrospectiva en Francia de este artista japonés que vive y trabaja en París desde 1966.

Cubriendo sesenta años de la carrera de Takesada Matsutani (1937, Osaka, Japón), la muestra está construida alrededor de una donación excepcional de 22 obras realizadas por el artista al Museo Nacional de Arte Moderno, que abarca desde finales de los años cincuenta hasta el presente. La exposición, por lo tanto, también remonta la carrera de Matsutani hasta sus orígenes; mezclando la obra de finales del decenio de 1950 con el estilo tradicional nihonga y piezas surrealistas inspiradas en la abstracción informal, que evolucionaron en sus obras de arte Gutai de principios de los sesenta.
La fascinación de este artista ricamente original con el material orgánico y la propagación, que comenzó en su período de Gutai, y los lazos del artista con el tiempo y el espacio marcados por una cultura budista, se trasladaron en la década de 1970 a una experimentación con acentos “de vanguardia” antes de adquirir un toque muy personal: creación “negra”.
En 1963, a la edad de 26 años, Matsutani fue aceptado por el fundador de Gutai, Jiro Yoshihara (1905-1972) en el grupo (el nombre, Gutai, en japonés evoca la relación concreta entre artista y material). Yoshihara estaba convencido de la originalidad de las pinturas abstractas del artista; su invento de superficies cubiertas con formas de ampollas adhesivas de vinilo que florecen como aberturas.
El crítico francés Michel Tapié, quien viajó a Japón para promocionar el arte informal a fines de la década de 1950, también elogió la entrada de Matsutani en Gutai. Fue así como comenzó un diálogo con la materia orgánica, el bloque de base de su trabajo por venir y que él tituló Propagación en la década de 1960. Tal vez porque en su adolescencia sufrió de tuberculosis, descubrió células, observadas bajo el microscopio, reforzando su interés en lo vivo y en crecimiento, una fascinación que se desarrolló junto con las obras abstractas de Kandinsky.
Gracias a un primer premio ganado en 1966 (concurso franco-japonés) recibió una beca del gobierno francés para una visita prolongada a Francia, y tomó la residencia permanente en París. De 1967 a 1971 se dedicó a grabar en el taller experimental 17 de Stanley William Hayter, donde se convirtió en asistente. Descubrió la serigrafía, lo que lo llevó a un nuevo estilo que se acercaba al “borde duro”. Pero, para él, las nociones de propagación, así como el desarrollo de formas tridimensionales, siempre anulan cualquier influencia real de los movimientos artísticos estadounidenses.
Marcado por Shinto y el budismo desde la infancia y perseguido en Francia por diversas lecturas, sus nociones espirituales y filosóficas de las dos religiones lo llevaron a un estilo artístico personal, mezclando sus medios de comunicación utilizando la materia orgánica con los conceptos de espacio y tiempo. En 1977 comenzó la serie Streams (también conocida como Corrientes) concentrándose en el uso de papel, grafito y tinta sumi. Estas obras, realizadas en rollos de papel de 10 metros de largo, muestran visualmente, tanto el gesto paciente del artista (que cubre la superficie con diligencia con marcas de grafito) y la acción final de Matsutani diluyendo el grafito con el flujo de solvente.
Luego de regresar a su medio favorito de adhesivo vinílico, lo incorporó a sus Streams para crear superficies hinchadas en lienzo o papel.
Con el tiempo, sus instalaciones son cada vez más monumentales y ambiciosas, a menudo se activan con una actuación en vivo del propio artista (es decir, perforando un saco de lona lleno de tinta y dejándolo fluir sobre una piedra o lienzo de abajo).
En 2015, el color regresó a la obra del artista jugando un papel importante con obras inusualmente a gran escala como los tondos de colores vivos: amarillos, azules y verdes que terminan la exposición. Matsutani, uno de los raros artistas japoneses que ha pasado la mayor parte de su carrera en Francia, se siente honrado con esta exposición que se zambulle en la amplitud de su carrera, una de experimentación y exploración constantes, utilizando materiales orgánicos para dirigir hacia lo espiritual a través de la autoreflexión dedicada.

Gallery Days. Este sábado Gallery Days y Distrito de las Artes

Una panorámica del Distrito de las Artes. Actividades, performances, galerías, open studios y como cierre de la edición AfterGallery en BETA SUR.

Este sábado Gallery Days y Distrito de las Artes invitan a una jornada en la que 30 espacios de arte extienden sus horarios con una programación especial y actividades.

El sábado 6 de abril llega el primer Gallery del año organizado por Arte al Día y el Distrito de las Artes dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
Este incluye los barrios de San Telmo y La Boca y contará con la participación de 30 galerías, open studios, museos y espacios de arte que abrirán sus puertas de 15 a 19 h para que puedas recorrerlos y vivir una tarde distinta.

En esta edición, los CHECKPOINTS –o puntos de acreditación- se encontrarán en MODERNO / MACBA – Av. San Juan 350 y 328, PROA / FUNDACIÓN ANDREANI – Av. Pedro de Mendoza 1929 y Av. Pedro de Mendoza 1981, COLECTIVO PERIFERIA / BETA SUR – Villafañe 101 y Caboto 725. Allí, las orientadoras de Gallery ayudarán a los GalleryFriends a armar sus recorridos brindando información acerca de qué espacios y exposiciones pueden visitarse y cuáles son todas las actividades especiales que ofrece Gallery-Circuito Distrito de las Artes durante el día.

Esta edición cuenta con transporte gratuito, los Gallery Bus que circularán con tres paradas, desde la estación Independencia de la lí́nea C de Subte a las 15 hs. con los siguientes recorridos:

MODERNO/MACBA > Colectivo Periferia/ Beta Sur: 15:15 / 16:15 / 17:15 / 18:15 hs

Colectivo Periferia/ Beta Sur > Proa/ Fundación Andreani: 15.30 / 16:30 / 17:30 / 18:30 hs

Proa/ Fundación Andreani > Colectivo Periferia/ Beta Sur: 15:45 / 16:45 / 17:45 / 18:45 hs

Colectivo Periferia/ Beta Sur > MODERNO/MACBA: 16:00 / 17:00 / 18:00 / 19:00 hs

ACTIVIDADES ESPECIALES:

Gallery y Distrito de las Artes invitan a las visitas especiales guiadas por reconocidos especialistas.
En esta edición Sebastián Vidal Mackinson* dará un recorrido por cinco espacios. La actividad es gratuita y se realiza con inscripción previa a distritodelasartes@buenosaires.gob.ar. Cupos limitados.

*Curador e investigador de arte contemporáneo. Curador en el Museo Sívori, ha obtenido la beca Profession Culture como investigador de arte latinoamericano en Institute Recherche et Globalisation (Centre Georges Pompidou, 2013), Jumex para participar de ICI (México DF, 2014) y Enlaces (Quito, Ecuador, 2017). Ha ganado el Programa Jóvenes Curadores arteBA 2015, con la propuesta Europa (entre otros antecedentes).

Gallery Tours | Visitas guiadas con la participación de artistas:

#1. Sale 15.30 hs del El más Acá Club y pasa por:
Nápoles, Museo Histórico Nacional, Espacio Cultural de la Iglesia Ortodoxa, Fundación El Mirador
Galería Buenos Aires Sur, Calvaresi.

#2. Sale 16.00 hs de Fundación Andreani y pasa por:
Fundación PROA, PROA 21, F/O Objetos y Teoría, Museo Quinquela, MUNAR, Al Escenario, Galeria POPA

#3. Sale a las 16.30 hs de Colectivo Periferia y pasa por:
Casa Suiza, Villafañe 584, Casa Mundus, Marco Arte Foco, Beta Sur (After Gallery)

19.00 hs : Música en vivo y #AfterGallery en BETA SUR – Caboto 725.
Se realizará un #AfterGallery imperdible en Beta Sur (Caboto 725) con la compañía de cerveza Stella Artois y Dj en vivo. Allí contaremos con la performance de Melisa Zulberti.

HIGHLIGHTS DE LAS EXPOSICIONES QUE TENéS QUE VISITAR:

En esta edición se presentará ante el público la colección de la Fundación Andreani formada por un conjunto heterogéneo de obras de reconocidos artistas argentinos, en su mayoría integrantes de la generación intermedia, que se fueron incorporando al patrimonio de la Fundación a partir del año 2007. También inaugurará la exposición “Tripa Cotillón” con Obras de Julio Hilger y la curaduría de Laura Buccellato.

Sumado a este hito, no te pierdas en la Usina del Arte la exposición “Amigxs, el futuro es nuestro. 10 años de pintorAs” con Obras de Diana Aisenberg, Carla Bertone, Florencia Bohtlingk, Claudia del Río, Verónica di Toro, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, María Ibañez Lago, Catalina León, Mariana López, Valeria Maculan, Adriana Minoliti, Déborah Pruden, Inés Raiteri, Leila Tschopp, Paola Vega y Curaduría de Lara Marmor

Destacamos las siguientes inauguraciones que tendrán lugar en esta fecha de Gallery – Distrito de las Artes. El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inaugurará las exposiciones “Una historia de la imaginación en la Argentina. Visiones de la pampa, el litoral y el altiplano desde el siglo XIX a la actualidad” con Curaduría de Javier Villa y “Exposición individual en la Sala de Proyectos Especiales” con los artistas Clara Esborraz y con Curaduría de Marcos Kramer.

La Galería Quadro inaugurará la exposición “BLANCO“ que reúne trabajos de Karin Idelson con curaduría de Luciana Salvá.

En el Museo Benito Quinquela Martín, inauguran las exposiciones de los artistas Alejandro Parisi “La sangre tira”, Valeria Budasoff “Barcas del Plata”, y de Jorge Alio y Horacio Cacciabue “Luna y misterio”.

El Distrito de las Artes ofrece la mejor oportunidad para visitar durante el Gallery el arte más fresco y experimental en los Open Studios. En esta fecha abrirán MARCO ARTE FOCO, Fino 630, Villafañe 584 y Casa Suiza de La Boca, con variedad de propuestas y trabajos en proceso creativo.

+ PROGRAMA DE ACTIVIDADES GALLERY DAYS / DISTRITO DE LAS ARTES:

MUSEO BENITO QUINQUELA MARTíN – Av. Pedro de Mendoza 1835
+ 15 hs Presentación documental “Los nuevos mecenas del arte” por Augusto Monk.
+ 16 hs “La Boca, un Museo a Cielo Abierto”. Visita guiada por el barrio.
+ 17 hs Visita a la Casa Museo

USINA DEL ARTE – Agustín R. Caffarena 1
+ 17 hs Salón mayor. “Ciclo de activaciones en relación a la muestra de Catalina León: Bordado & Astrología” por Catalina León.
+ 18 hs “Pintura Total: la pintura como instalación” por Leila Tschopp

COLECTIVO PERIFERIA – Villafañe 101
+ Visita guiada por el artista.

CASA MUNDUS – Agustín R. Caffarena 86
+ 18 hs Brindis con la artista

MODERNO – Av. San Juan 350
+ 16 hs “El cine es otra cosa en el 21° BAFICI”. Curadores: Gabriela Golder y Andrés Denegri. Auditorio del Museo. Entrada gratuita

SALÓN DE LA CATEDRAL ORTODOXA RUSA – Brasil 315
+ Proyección de video donde Georg explica la particularidad de su método. Video en continuo.

FINO 630 – Finochietto 630.
+ Charla de los artistas sobre su obra.

EL MÁS ACÁ CLUB CULTURAL -Av. Caseros 514
+ 17 hs Ileana Hochmann dialogará sobre su obra.

MUSEO CONVENTILLO MARJAN GRUM -Garibaldi 1429.
+Visitas guiadas cada 40 minutos.
+16 hs “Expo Arqueo Bohemia” charla de arqueología por Museo Arqueológico y Arqueoterra

MUNAR- Av. Don Pedro de Mendoza 1555
+ 16 hs Visita guiada junto a los curadores y artistas.
+ 17 hs “Resistir siempre”. Performance de Pedro Tyler
+ Live streaming “RESET “, Performance de Juvenal Barría

FUNDACIÓN PROA- Av. Don Pedro de Mendoza 1929
+ 17 hs “Diseño en Acción. Interacciones Contemporáneas”. Encuentro con especialistas / Diseño y estudios de género: Griselda Flesler.

PRÓXIMAS EDICIONES:
Viernes 10 de Mayo, 18 a 21 h – Gallery Nights Retiro/Recoleta.
Sábado 1 de junio, 15 a 19 h – Gallery Days Palermo/Villa Crespo.
Viernes 5 de julio, 18 a 21 h – Gallery Nights Retiro/Recoleta.
Agosto – Distrito de las Artes.
Sábado 7° de septiembre, 15 a 19 h – Gallery Days Palermo/Villa Crespo.
Viernes 4 de octubre, 18 a 21 h – Gallery Nights Retiro/Recoleta.
Sábado 7° de diciembre, 15 a 19 h – Gallery Days Palermo/Villa Crespo.
¡Descargá la nueva APP de Gallery para seguir el evento de forma rápida y buscar los espacios que más te interesan! Encontrala en http://gallery.com.ar/

Más información, espacios participantes y mapa de recorrido en http://gallery.com.ar.

La próxima edición será el viernes 10 de mayo de 18 a 21 hs. en el Circuito Retiro / Recoleta. Las novedades se pueden seguir en Instagram @gallerybuenosAires y en Facebook /gallerybuenosaires.

Gallery es un evento impulsado en 2001 por la revista Arte al Día que propone un recorrido por las galerías y espacios de arte de la Ciudad de Buenos Aires a través de tres circuitos: Palermo/Villa Crespo, Recoleta/Retiro y Distrito de las Artes. En las siete ediciones anuales de Gallery Days y Nights se pueden recorrer más de 80 espacios, aprender sobre arte, escuchar música y ver performances en vivo, participar de actividades exclusivas y disfrutar de una bebida de cortesía de nuestros sponsors.

Gallery sostiene gracias al apoyo del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y de empresas como Grupo OMINT, Palacio Duhau – Park Hyatt Bs. As., Hotel Panamericano y Fundación Andreani. Nuestros media partners son Diario La Nación, Muchnik & Co, AEROTERRA y cada encuentro se condimenta convidando a los asistentes con cervezas de Stella Artois y degustaciones de la Bodega Saint Felicien.

Más información, espacios participantes y mapa en http://gallery.com.ar/

Contacto: eventosespeciales@artealdia.com

Fundación AVON convoca a Mujeres Solidarias del país

El 1° de marzo abre la convocatoria para el Premio Mujeres Solidarias. Las mujeres de todo el país podrán postularse hasta el 15 de abril a través del sitio web de Fundación AVON. Las 5 ganadoras, que recibirán cada una $200.000 pesos para la concreción del proyecto se conocerán en la ceremonia de premiación que se realizará en agosto.

Buenos Aires, febrero de 2019 – A partir del 1° de marzo las mujeres emprendedoras del país podrán postularse para la 12va edición del Premio Mujeres Solidarias de Fundación AVON. Esta iniciativa reconoce a mujeres líderes sociales que desarrollan programas para transformar la realidad de sus comunidades. Cada uno de los 5 proyectos seleccionados recibirá una asignación de $200.000 para su concreción o continuación.

Para participar de la convocatoria, los proyectos deben enmarcarse en alguno de los Objetivos de Desarrollo Sostenible promovidos por la ONU: fin de la pobreza; hambre cero; salud y bienestar; educación de calidad; igualdad de género; agua limpia y saneamiento; energía asequible y no contaminante; trabajo decente y no contaminante; industria, innovación e infraestructura; reducción de las desigualdades; ciudades y comunidades sostenibles; producción y consumo responsables; acción por el clima; vida submarina; vida de ecosistemas terrestres; paz, justicia e instituciones sólidas; y alianzas para lograr objetivos.

El Premio Mujeres Solidarias nació en 2007 y, desde entonces, reconoce, estimula y apoya el trabajo comunitario y social de muchas mujeres. Además, abrió un sin fin de posibilidades de trabajo en red para las 35 ganadoras y para los más de 1.500 proyectos que se han postulado, y que hoy continúan ese trabajo incesante en sus comunidades.

“Invitamos a todas las mujeres a que se postulen, porque queremos conocerlas y apoyarlas para que puedan concretar estos proyectos tan importantes que mejoran la vida de muchas comunidades del país. Con el Premio Mujeres Solidarias buscamos multiplicar sus acciones, a través de la difusión y el reconocimiento, para brindarles el apoyo que se merecen y necesitan para seguir adelante y así, inspirar a toda la sociedad”, comentó Florencia Yanuzzio, Directora Ejecutiva de Fundación AVON.

¡Conocé a algunas de las ganadoras!

Alejandra Martínez – 10ma Edición

Junto a la organización Microjusticia, postuló el proyecto “Derecho a la identidad y empoderamiento legal de la mujer”, que busca empoderar legalmente y promover el acceso a la justicia de mujeres en situación de vulnerabilidad social en Buenos Aires, a través de la capacitación y el asesoramiento legal.

Jimena Ferrer Lozano – 9na Edición

Presentó la iniciativa “Pelucas Solidarias Baradero”, un equipo que fabrica pelucas con pelo natural, donado por personas de distintos lugares del país, para entregar en forma gratuita a mujeres que están en tratamiento de quimioterapia.

Nanci Cristina Giraudo – 8va Edición

El proyecto presentado buscó promover y facilitar el involucramiento de mujeres entre 15 y 35 años de la comunidad de Bajo Boulogne como agentes multiplicadores de salud, para la prevención, promoción y transformación de los casos de violencia contra la mujer desde el abordaje de la Atención Primaria de la Salud, realizando talleres de capacitación y utilizando las redes sociales para compartir recursos comunitarios.

Éste es el momento de participar y postular tu proyecto o invitar a alguna mujer emprendedora a que se postule. ¡Queremos conocerte y ayudarte a hacer realidad tu proyecto solidario!

Para más información, ingresar al sitio web de Fundación AVON: https://www.fundacionavon.org.ar/premiomujeressolidarias/

Alquimista: con dos estrellas Michelin de Milán en manos del gran Antonio Guida

Por Flavia Tomaello, https://flaviatomaello.blog/, Instagram @flavia.tomaello

Cada mañana, en el patio de una casa milanesa del siglo XVIII, las manos con guantes blancos colocan 55 platos de diseño Fornasetti en blanco y negro sobre manteles que todavía humean suavemente al presionar una plancha caliente. Es el comienzo del día para Seta, Mandarin Oriental, el restaurante con dos estrellas Michelin de Milán en manos del gran Antonio Guida

Fusionando el diseño milanés con el lujo oriental atemporal, Mandarin Oriental Milán se encuentra en el corazón de la ciudad más moderna de Italia. Ocupando cuatro elegantes edificios del siglo XVIII a pasos de La Scala, el hotel ofrece la combinación perfecta de confort, elegancia y estilo.

Uno de los chefs más célebres de Italia, Antonio Guida siempre ha estado fascinado por el mundo de la alquimia culinaria. Después de haber viajado mucho por Europa y Asia, trabajó en varios restaurantes con estrellas Michelin, como Pierre Gagnaire en París, Enoteca Pinchiorri en Florencia y Don Alfonso en la costa de Amalfi, antes de unirse a La Terrazza Hotel Eden en Roma. Después de dos años y habiendo ascendido al puesto de Chef de Cuisine, se unió a Il Pellicano como Chef Ejecutivo en 2002, ganando dos estrellas Michelin en 2004 y 2010 para ese restaurante.

Tras 12 años en él, Guida fue nombrado Chef Ejecutivo en el nuevo Mandarin Oriental en Milán, donde exhibe su arte culinario en el entorno gastronómico de una de las ciudades más grandes de Italia. Guida dirigió al restaurante Seta del hotel para ganar la primera estrella Michelin en 2015, cuatro meses después de su apertura, seguido de la segunda estrella Michelin en 2016.

Una gran parte de su éxito proviene del fuerte equipo que ha formado. El chef ejecutivo Sous, Federico Dell’Omarino ha sido la mano derecha de Guida desde 2002, ayudándole a desarrollar aún más sus ideas de cocina innovadora. De igual importancia es el chef de repostería Nicola Di Lena, que ha estado creando el final perfecto para los itinerarios culinarios de Guida desde 2006.

Lectura amigable
Para muchas personas , el significado detrás de Seta es fácil de entender. Para los forasteros, el restaurante lleva el nombre de la palabra italiana para la seda, un material que se ha introducido en la filosofía del restaurante, con sus conexiones hacia el este y los orígenes de Mandarin Oriental. La seda es también la inspiración detrás de algunos de los mejores platos de Seta, que están inspirados en los lugares donde el chef Guida y su equipo han trabajado.

Para aquellos que quieren acercarse aún más a la acción, hay una mesa de chef en el corazón de la cocina, donde dos personas pueden experimentar el menú de degustación de siete platos (dedicado a la cocina y la ciudad de Milán). Para Guida, la mesa del chef es tanto para la cocina como para los invitados. “Los clientes deben ser felices. Aquí puedo ver lo que los hace felices “, dice.

Moverse por la cocina y el restaurante se ha convertido en una actuación para el chef Guida y su equipo. Guida cree en comparar su personal con una orquesta, “un restaurante solo puede tener éxito si todos comprenden realmente su propósito. El nuestro es hacer felices a nuestros huéspedes”. Y ser un miembro de la audiencia en esta presentación asegurará que los invitados, los comensales y los hombres de negocios regulares que se presentan con sus elegantes trajes azules disfruten del menú Carte Blanche. .

– ¿Qué encuentras de tu Puglia natal en tu cocina de hoy?
– Ciertamente encuentro el uso de muchos vegetales, como en la cocina mediterránea. A veces, incluso, con algunos platos típicos reversionados, como espaguetis con rosolaccio en los que agrego mi toque personal.

¿Cuál es tu primer recuerdo relacionado con la cocina?
– El sueño y el deseo de conocer diferentes culturas. Desde temprana edad, mi curiosidad por descubrir nuevas culturas se reflejó en los tipos de cocina y, desde entonces, ha habido el deseo de comenzar este camino de trabajo.

¿Cómo se comía en tu casa cuando eras niño?
– En casa siempre he comido muy bien, ¡y sigue siendo así porque mi madre cocina muy bien! Es gracias a ella que he decidido hacer este trabajo. Tiene una gran pasión por la buena comida, la investigación de productos, pone atención a la transformación de las materias primas para no arruinar sus características.

– ¿Qué ingredientes odiaste en ese momento?
– De hecho, mi madre fue muy buena para complacerme y abonó mi curiosidad. Siempre probé todos los ingredientes. Si tuviera que elegir algo que no me gustara particularmente cuando era un niño, diría pomelos, ¡pero ahora realmente los amo!

– ¿Cómo afectan tus diferentes experiencias de vida a tu cocina?
– ¡De tantas maneras! Viajo mucho por trabajo. Mi viaje ha sido (y sigue siendo) largo, hermoso e intenso, donde en cada experiencia traté de aprender y comprender lo más posible. Todo lo que he aprendido afecta a mi cocina de alguna manera.

– ¿Por qué crees en el equilibrio entre presentación y gusto?
– Porque esa armonía es una forma de respeto que tengo hacia mis clientes. Si una pieza no es presentada del modo adecuado, puede que no sea apreciada. Para mí la presentación es esencial, como lo es el sabor redondo, pero con un poco de acidez.

– Milán es un símbolo de diseño y moda. ¿Cómo se refleja esto en las tendencias culinarias?
– Precisamente en ese detalle que mencioneabamos: la armonía entre la presentación, el sabor, los colores, el diseño y la estética visual.

– ¿A qué te refiere la cocina latinoamericana?
– Desafortunadamente, ¡una parte culinaria del mundo del que todavía carezco es precisamente América Latina! Pero si pienso en la cocina latinoamericana, puedo pensar en las especias: una cocina que puede ser un poco rústica pero con un sabor fuerte.

– ¿Hacia dónde crees que van las tendencias de la cocina internacional y, en particular, las de tu cocina?
– En mi opinión, sin dudas, hacia la creciente atención a los productos. Lamentablemente hoy en día es cada vez más difícil encontrar articulos de alta calidad y, por lo tanto, en este momento estamos a la búsqueda cuidadosa de la autenticidad de las materias primas.

– ¿A qué retos te enfrentas cada día en tu restaurante?
– Tenemos diferentes desafíos dados por varios factores que pueden ser la cantidad de trabajo, los nuevos platos, pero también los invitados especiales con diferentes solicitudes. Digamos que estos pequeños desafíos están en la agenda y nunca te aburres. Pero el reto más importante es siempre mejorar, cada día.

– ¿Puedes identificar con 10 adjetivos el estilo de cocina que se encuentra en tu restaurante?
– Tedondo, elegante, agradable, tenaz, animado, acogedor, refinado, atractivo, refinado, equilibrado.

– ¿Puede mencionar 5 ingredientes o preparaciones que le gusta comer?
– Los 5 ingredientes que más me gustan en este momento son: yuzu, jengibre, lima, bergamota y frambuesa.

Crowdsourcing en arte inspirado en el Brexit

Por Flavia Tomaello, https://flaviatomaello.blog/, Instagram @flavia.tomaello

Los jarrones Brexit de Grayson Perry han sido adquiridos por V&A para la selección de masterpieces de Gran Bretaña.

Desde hoy, los jarrones Matching Pair del artista y alfarero británico Grayson Perry se exhiben permanentemente en las famosas galerías de cerámica de V&A. Creadas en 2017 como respuesta a la enorme brecha social y política causada por el Brexit, cada jarrón representa a los partidarios de Leave and Remain. Esta adquisición de uno de los artistas más célebres y famosos del Reino Unido se exhibe para coincidir con la fecha en que Gran Bretaña tenía previsto salir de la UE. Los trabajos se han comprado con el apoyo de la Fundación Ruddock para las Artes, los Miembros de V&A, Sarah Nichols, el William Brake Charitable Trust y un donante anónimo.

De tamaño monumental, ambos miden más de un metro de altura y están decorados con figuras de esgrafiado e imágenes impresas por transferencia. La similitud de los jarrones Leave and Remain provocó su título, Matching Pair.

Perry adoptó un nuevo enfoque en el proceso creativo de decorar los jarrones mediante el crowdsourcing de ideas, fotografías y frases a través de las redes sociales. Publicando videos en Facebook y Twitter, pidió a los votantes de Leave and Remain que elijan sus marcas y colores favoritos, definan el estilo británico, compartan fotos de sus tatuajes y envíen selfies. Ambos están acabados de ambos lados en el color preferido: un esmalte azul.

Las contribuciones de veinticuatro miembros del público sobre Brexit y Britishness incluyen: teteras, tocino y huevos, marmite, familias junto al mar, paseando al perro y el pub. Además, las imágenes de Barack Obama, Gandhi, Shakespeare, Gary Lineker, Gina Miller y el difunto diputado Jo Cox, los logotipos de Waitrose y el NHS se muestran en el jarrón Remain. En el jarrón de Leave hay imágenes de Nigel Farage, Winston Churchill, la reina y el logotipo de Cadbury. La realización del trabajo y los temas que aborda se exploraron en el documental de Channel 4 en 2017: “Grayson Perry: Divided Britain”.

Alun Graves, curador sénior de Cerámica, Escultura y Metalurgia, dijo: “La pareja a juego de Grayson Perry ve a uno de los más grandes artistas y comentaristas sociales de Gran Bretaña que aborda el evento político más importante de nuestros tiempos. Y es apropiado que lo haya hecho a través de imágenes e ideas presentadas por el público en general. Es absolutamente apropiado que V&A haya adquirido estas obras tan importantes, y esperamos que la gente venga a nuestras Galerías de Cerámica de clase mundial para verlas y explorar lo que tienen que decir sobre el debate sobre el Brexit “.

Grayson Perry dijo: “Estoy muy contento de que V&A haya adquirido estas obras. Fueron hechos en colaboración con personas de todos los ámbitos de la vida, para Gran Bretaña. Se verán magníficos en el V&A, un museo que me gusta mucho, donde pueden ser vistos por cualquier persona de forma gratuita durante los próximos años.

“Siempre he sido cauteloso con la participación de la audiencia en el arte. Pero pensé que sería un experimento interesante para el crowdsource en este trabajo. Primero quise referirme a lo que parecía una gran ruptura en la sociedad británica, causada por algo que nadie parecía preocupar unos años antes de la votación.

“Tal vez sea un poco utópico decir:” ¡Estamos juntos en esto! ¡Todos tenemos una identidad compartida! ‘Pero tienes que comenzar en algún lugar. Es importante hablar con las personas con las que no necesariamente estamos de acuerdo y escuchar lo que tienen que decir. Las dos ollas salieron con un aspecto notablemente similar, lo que es un buen resultado, ya que muestra que todos tenemos mucho más en común que lo que nos separa “.

Los jarrones de Perry’s Matching Pair complementarán las existencias existentes de V&A de obras del artista, que incluyen una importante cerámica antigua, My Heroes (1994), adquirida en 2009, un par de autorretratos de linograbados, Mr and Mrs Perry (2006) y un glaseado. revestimiento cerámico realizado para el exterior de A House for Essex (2015). La baldosa de la pared está actualmente en préstamo al Blackburn Museum para apoyar la enseñanza de arte, diseño y tecnología en las escuelas secundarias, como parte de la iniciativa educativa nacional insignia de V&A, DesignLab Nation.

Nacido en Chelmsford, Essex en 1960, Grayson Perry vive y trabaja en Londres y ha sido ganador del Premio Turner 2003. Perry ha expuesto en museos de todo el mundo.